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viernes, 31 de julio de 2015

JULIO CALCAÑO



                  JULIO CALCAÑO

Poeta, narrador y ensayista venezolano, nacido en la ciudad de Caracas, Estados Unidos de Venezuela, en 1840 y fallecido en su ciudad natal en 1912. 

De formación romántica -como queda patente en la tendencia de su poesía hacia el Parnasianismo-, fue el primer autor que, en la prosa de ficción venezolana, fijó realmente la estructura del cuento, independizándolo del resto de las modalidades de la narrativa breve (novela corta, artículo de costumbres, etc.).

Se entregó desde joven a sus dos vocaciones, la milicia y la literatura, aunque pronto abandonó la carrera militar para centrarse de lleno en su actividad creativa e intelectual. No tardó en adquirir un merecido prestigio literario y periodístico, reconocimiento que rebasó las fronteras de su joven nación -y aun los anchos límites del océano Atlántico- para llegar hasta la Península Ibérica, donde fue admitido como miembro de la Real Academia de la Lengua en 1882. 

Un año después se convirtió en uno de los fundadores de la Academia Venezolana de la Lengua (1883), de la que fue Secretario perpetuo. Hombre de severa formación en la ortodoxia de cualquier ámbito al que se acercaba (ya en la férrea disciplina castrense, en su faceta de militar, ya en el más puro academicismo canónico, dentro del campo literario), acusó la influencia del Romanticismo -como tantos otros creadores de su generación-, pero sin caer nunca en los excesos de esta corriente, pues su sujeción a la norma clasicista le impedía incurrir en desmanes ideológicos y exageraciones formales.

Su vasta formación cultural y su constante atención a cualquier hecho literario que tuviera lugar en su entorno le llevó a publicar numerosos artículos, ensayos y discursos en las principales publicaciones culturales de Venezuela, como El Semanario (1878), El Cojo Ilustrado (1892) y Sagitario (1911)

Comentó y prologó las obras de muchos coetáneos, y dejó buenos testimonios de su agudeza crítica y sus enjundiosos análisis filológicos en ensayos y tratados tan dignos de elogio como Reseña histórica de la literatura venezolana (Caracas: Tip. El Cojo Ilustrado, 1888) -una de las primeras obras de este género publicadas en Venezuela-, Parnaso venezolano (Caracas: Tip. El Cojo Ilustrado, 1892) -sin duda alguna, el mejor repertorio de poetas de Venezuela publicado hasta ese momento, conformado por una minuciosa "Introducción", una esmerada selección de textos y cerca de sesenta reseñas de otros tantos vates venezolanos de los siglos XVIII y XIX-, Tres poetas pesimistas del siglo XIX (Caracas: Tip. Universal, 1907).

Una intensa labor de recopilación y análisis de la literatura de su patria, Julio Calcaño logró una interesante producción poética que, diseminada primero por las páginas de diferentes rotativos y revistas, reunió a la postre en un volumen que publicó, tres años antes de su muerte, bajo el título genérico de Poesías (Caracas: Lit. y Tip. del Comercio, 1915). Sus versos, como ya se ha apuntado más arriba, participan plenamente del espíritu romántico, aunque dentro de unos límites de serenidad y contención que, sumados al gusto de Calcaño por la perfección formal y la pureza expresiva, convierten al poeta caraqueño en un tímido precursor de la fría perfección parnasiana.

Pero lo más interesante de su producción literaria es, sin duda alguna, su prosa de ficción, integrada por dos novelas y veinte relatos -la mayor parte de los cuales quedaron recopilados, también al final de su vida, en el volumen Cuentos escogidos(Caracas: Lit. y Tip. del Comercio, 1913)-. Su primera narración extensa, Blanca de Torrestella (Caracas, 1862), es una pieza de inspiración histórica, típicamente romántica, que gozó del aplauso de la crítica y los lectores de su tiempo; e idéntica naturaleza genérica y temática -escorada, ahora, hacia un historicismo clasicista- presenta su segunda novela, El rey de Tebas, que vio la luz por entregas en las páginas de La Revista (Caracas), entre los números 11 y 28 (1872 y 1873).

Sus relatos presentan la peculiaridad de estar concebidos y estructurados, quizás por vez primera en las Letras venezolanas, como unidades narrativas de identidad genérica autónoma, lo que equivale a decir que no son, como otras tantas muestras de la narrativa breve de su tiempo, especie de capítulos desgajados de una unidad narrativa mayor (como, por ejemplo, de una novela), ni artículos periodísticos cargados de toques de ficción, ni novelitas breves condensadas. 

Así, relatos como los titulados "Las lavanderas nocturnas" (1872), "El sello maldito" (1873), "La danza de los muertos" (1873) y "Tristán Catalleto" (1893) presentan a Julio Calcaño como el auténtico padre del cuento venezolano, género en el que, por lo demás, tampoco se alejó en nada de los gustos románticos, aquí plasmados en su predilección por los ambientes tétricos y los personajes y las situaciones fantasmagóricas (así, v. gr., el relato citado en último lugar cuenta la historia de un vampiro).fuente.www.mcbiografías.Biblioteca biográfica Venezolana/ Bancaribe y C,A.EDITORA EL NACIONAL.

                   !HONOR, A QUIEN HONOR MERECE!


jueves, 30 de julio de 2015

VICENTE NEBREDA

                                                                                          VICENTE NEBREDA

Vicente Balbino Nebreda Arias, conocido como Vicente Nebrada nació en la ciudad de Caracas, Estados Unidos de Venezuela, el 31 de marzo de 1930 ,y fallece en la misma ciudad, el 26 de mayo de 2002.

Fue un coreógrafo y bailarín venezolano, parte de la generación que inició la actividad dancística en el país en los años 1940. Formó parte de la Cátedra de Ballet del Liceo Andrés Bello, primer intento de escuela formal en el país, hasta el Ballet Nacional de Venezuela, primera compañía profesional de largo recorrido.

También, fue uno de los primeros bailarines venezolanos que hizo carrera internacional. Con una extensa trayectoria como coreógrafo, que inició en 1958 cuando estaba comenzando su carrera profesional y finalizó con la creación de su versión de El cascanueces en 1996, creó 61 coreografías originales y adaptaciones de ballets del repertorio clásico universal, para diversas compañías del mundo.

Vicente nació en la parroquia San José de Caracas, hijo de Alejandro Nebreda y Josefina Arias, fue el menor de 5 hermanos en una familia de clase media, descendiente de inmigrantes españoles. Su padre era sastre y dueño de una tienda de artículos de cuero, que estaba ubicada en el centro de la ciudad, su madre era ama de casa y se dedicaba exclusivamente a la atención de la familia y la crianza de los hijos.

Vicente estudió la primaria en la Escuela Experimental Venezuela, que era un colegio donde se ponían en práctica nuevas formas de enseñanza. Allí conoció a Isaac Chocrón y Román Chalbaud, con quienes entabló una amistad que duró toda su vida. En el colegio se dictaban clases de música, danza y teatro, además de las materias formales de la primaria y contaba con una plantilla de profesores que hicieron de la innovación en la educación su meta y pusieron en práctica métodos nuevos para que el educando aprovechara al máximo sus horas en el colegio. Steffy Sthal, maestra austríaca contratada por el estado venezolano, impartía el curso de gimnasia rítmica aplicando el método Dalcroze y montaba los espectáculos de fin de curso en los que Vicente llegó a interpretar al indio Guaicaipuro.

Sus inclinaciones artísticas se afianzaron en la adolescencia, tenía un gusto particular por el cine, al que asistía con cierta regularidad. En 1945 asistió a una función en el Teatro Municipal de Caracas de la Compañía de Cantos y Danzas de España dirigida por bailarín Joaquín Pérez Fernández, que despertó su interés por esta forma artística. Luego ese mismo año, se presentó también en el Teatro Municipal, la temporada de los Ballets Rusos del coronel de Basil, compañía que estaba conformada por algunos exbailarines de la extinta compañía de Diaghilev y cuatro de sus integrantes, los esposos argentinos Hery y Luz Thomson y los irlandeses David y Eva Grey, decidieron quedarse en Venezuela huyendo de la miseria en la que estaba sumida Europa después de la Segunda Guerra Mundial.

Estos bailarines comenzaron a dictar clases privadas y le propusieron al director del Liceo Andrés Bello, Dionisio López Orihuela, abrir una cátedra de ballet en esa institución educativa; al director le encantó la idea y hacia finales de 1945 se iniciaron las clases de la Cátedra de Ballet del Liceo Andrés Bello. Vicente era estudiante del liceo e inmediatamente se inscribió en el nuevo curso e inició sus estudios de danza.

Los esposos Thomson pronto emprendieron otro proyecto fuera del Liceo Andrés Bello, El Club de Ballet. La cátedra quedó en manos de los Grey y Vicente decidió seguir con los Thomson. Allí afianzó su relación de amistad con quienes serían sus compañeras de baile por años y con quienes se iría del país, Irma Contreras y Graciela Henríquez.

En 1948 ingresó en la Escuela Nacional de Ballet dirigida por Nena Coronil y cuatro años más tarde viaja a Nueva York para continuar sus estudios de ballet en la School of American Ballet con los maestros Anatole Oboukoff, Pierre Vladimiroff y Edward Caton.

En 1952 recibió la invitación de Alicia Alonso para formar parte de su compañía de baile en La Habana, Cuba. Luego de casi un año de trabajo, se lesionó una rodilla y tuvo que guardar reposo, es entonces cuando decide regresar a Venezuela en 1953, para reponerse de las lesiones. Después de su recuperación ingresó a la recién creada compañía Ballet Nena Coronil. Con esta compañía versionó e interpretó ballets del repertorio clásico y comenzó a crear coreografías; de esta época son sus piezas versionadas Las Sílfides, La siesta de un fauno y Bodas de Aurora (III acto); y una obra original: Concierto en Varsovia. El 15 de noviembre de 1953 se fundó la televisora Radio Caracas Televisión y el 16 iniciaron transmisiones, el Ballet Nena Coronil fue parte de esa primera transmisión con la versión de Vicente del ballet Las Sílfides, donde interpretó el rol principal junto a Irma Contreras y Graciela Henríquez.

También formó parte del primer espectáculo profesional que realizó esta compañía en el Teatro Municipal de Caracas. Luego de dos años de trabajo en la compañía de Nena Coronil, Nebrada junto a sus inseparables amigas de la época, Irma Contreras y Graciela Henríquez, se dan cuenta de que para continuar su carrera profesional deberán viajar fuera del país. Es entonces cuando Irma Contreras, usando sus contactos allegados a Marcos Pérez Jiménez, consigue una cita con él y le pide una beca de estudios en el exterior para los tres. Pérez Jiménez le otorga las becas y los pasajes aéreos. Es así como en 1955 renunciaron al Ballet Nena Coronil y viajaron a Francia, becados por el gobierno venezolano, y se instalan en París.

El Ballet Nena Coronil no aguantó estar sin sus tres principales solistas y cerró poco tiempo después. También fue factor fundamental del cierre que Margot Contreras, hermana de Irma, dejara la compañía y fundara una nueva escuela de ballet, la Academia Interamericana de Ballet y el Ballet Interamericano de Venezuela, abriendo las puertas al éxodo de alumnos y bailarines de Nena Coronil.

Ese mismo año Vicente ingresó en la compañía de Roland Petit, en París. Además de participar como bailarín creó para esa compañía dos pequeñas piezas, Pas de deux y Danza de los adolescentes. Un año más tarde se mudó a la compañía Las Estrellas de Montecarlo. Poco se sabe de estas participaciones más que algún programa de mano o catálogo.

En 1957 regresó a Venezuela junto con Irma Contreras, quien fundó junto con su hermana Margot el Ballet Nacional de Venezuela. Vicente trabajó en esta nueva compañía en calidad de bailarín solista y coreógrafo. Para esta compañía creó dos obras, Quinta Sinfonía con música de Tchaikovsky y La Valse con música de Maurice Ravel.

Decidido a continuar con su carrera internacional y viendo a Estados Unidos como su meta, viajó en 1958 y audicionó en el Joffrey Ballet. Esta compañía era patrocinada por la multimillonaria Rebekah Harkness quien heredó la fortuna de su esposo, que era dueño de acciones en las explotaciones de la compañía petrolera Standard Oil y, gracias a su inversión, la compañía de Joffrey pagaba a los bailarines, contrataba coreógrafos y hacía espectáculos y giras. Rebekah pidió tener más participación en la toma de decisiones artísticas de la compañía y que la compañía pasara a llamarse Harkness en su honor. Robert Joffrey, quien era el director y fundador de la compañía, se negó a aceptar las exigencias de Rebekah y entonces la Fundación Harkness le retiró su apoyo económico. Es cuando Rebekah funda el Harkness Ballet en 1964, y absorve a muchos de los artistas que conformaban el Joffrey Ballet, entre ellos a Vicente.

El Harkness Ballet hizo su estreno en 1965 fuera de los Estados Unidos, en Cannes, con George Skibine como director, y un repertorio compuesto por trabajos de Alvin Ailey,George Skibine, Eric Bruhn, Brian Macdonald y Stuart Hodes. El trabajo de la compañía fue principalmente en el extranjero y tuvieron un éxito inmediato.

Ya en 1967, cansado de bailar, con el cuerpo lesionado y pensando en que no podía seguir en esa carrera por mucho tiempo ya que estaba envejeciendo, decide hablar con Rebekah y pedirle la oportunidad de iniciar su carrera como coreógrafo y hacer una transición suave. Rebekah acepta la propuesta y lo autoriza a iniciar sus trabajos coreográficos con la compañía. Vicente empezó a crear la obra Caín que fue revisada y evaluada en los salones por la directiva de la compañía, lo que le valió la oportunidad de seguir trabajando en el área coreográfica. Gracias a esta oportunidad creó en 1969, lo que sería su primer éxito internacional Percusión para seis hombres con música de Lee Gurst. Esta pieza se presentó en 1969 e inmediatamente pasó a formar parte del repertorio de la compañía profesional, que la llevó a un festival en Alemania, obteniendo buenos comentarios de los especialistas. Este éxito, le abrió definitivamente las puertas del Harkness Ballet para dedicarse a la coreografía y dejar el área de la interpretación. 

Se retiró como bailarín en 1970, cuando tenía 40 años. Para esta compañía creó un total de 8 piezas: Percusión para seis hombres, Schubert Variations, Percusión para seis mujeres, Géminis, Claro de Luna, Sebastián, Sombras y Memorias. Estando en esta compañía inició su relación con el bailarín Zane Wilson, quien se convertiría en su compañero sentimental y fiel asistente, durante más de 30 años y quien le acompañaría y apoyaría en todas sus empresas.

La compañía se disolvió en 1975 y muchos de sus bailarines fueron incorporados a distintas compañías en el mundo, entre ellas el Ballet Internacional de Caracas, bajo la dirección artística de Vicente Nebrada y Zhandra Rodríguez.


En 1974 se unen dos grandes emprendedores en una sola idea, María Cristina Anzola y Elías Pérez Borjas se plantean crear una compañía de ballet en Venezuela que tuviera trascendencia internacional. Inician una serie de acciones para dar sustento a la idea, María Cristina crea junto con otras personalidades del mundo del arte en Venezuela, la Fundación Pro-Artes Coreográficas, para dar base legal al proyecto; Elías, que era el director de Fundateatro, apoyado por María Cristina inicia la programación y realización de la Reseña Nacional de Danza de 1974. Llevaron adelante este proyecto con el propósito de obtener un panorama general del estado y calidad del movimiento dancístico y de las agrupaciones artísticas que hacían vida en el territorio nacional.

A pesar de las limitaciones de presupuesto lograron realizar todas las funciones programadas, en una de ellas participó como bailarina invitada internacional la venezolana Zhandra Rodríguez, quien había hecho carrera en el exterior y era primera bailarina del American Ballet Theatre. Ese mismo año, en los Estados Unidos, dos compañías de ballet entraron en crisis, el American Ballet Theatre amenazaba con cerrar y el Harkness Ballet cerraba ya definitivamente, Vicente era el coreógrafo residente del Harkness y pronto se quedaría sin trabajo, luego de haber hecho una larga carrera en los Estados Unidos. Elías aprovechó esta oportunidad y se reunió con él para plantearle la nueva idea de una compañía profesional en Venezuela y ofrecerle el puesto de coreógrafo residente. Para la constitución del Ballet Internacional de Caracas se conjugaron varios factores, el éxito de la presentación de Zhandra, junto con el empuje de María Cristina y Elías, la aceptación de Vicente, la crisis de las compañías estadounidenses y el apoyo económico del Estado venezolano.

Finalmente en julio de 1975 iniciaron el trabajo en la nueva compañía con Vicente como director artístico, Zhandra como bailarina estrella, Elías como gerente general y muchos de los bailarines del Harkness Ballet que recientemente se había disuelto. La compañía toma el nombre de "Ballet del Nuevo Mundo" y luego por exigencias gubernamentales cambia por Ballet Internacional de Caracas. Vicente sintió el compromiso de mostrar una compañía profesional con solo tres meses de trabajo y endureció sus exigencias. Rubén Monasterios habla de el carácter de Vicente en esa época:

...La personalidad de Vicente contribuyó a que tal cosa fuera posible; generalmente considerado como un director fuerte, entonces se comportó de manera definitivamente tiránica y feroz, alcanzando lo que algunos consideraban los límites de la crueldad para lograr el registro esperado en sus bailarines...

El estreno fue el 4 septiembre de 1975 en el Teatro Municipal de Caracas. El teatro estaba lleno y asistieron personalidades políticas al evento. Se estrenó en esa ocasión la obra de Vicente La Luna y los hijos que tenía con música de Michael Kamen que la compuso especialmente para esta obra. Con esta compañía realizó numerosas giras por Europa y América y creó varias coreografías, la más famosa de ellas Nuestros Valses en 1976, que todavía hoy continúa siendo bailada por compañías en el mundo. En 1980 con motivo de la celebración del 40º aniversario del American Ballet Theatre, se interpretó en la Ópera del Metropolitan de Nueva York su coreografía Una Danza para ti (con música de Teresa Carreño).

A finales de este 1980 los conflictos internos en el Ballet Internacional de Caracas acabaron con una de las compañía más importantes de Venezuela, en enero de 1981 fue definitivamente cerrado. Zhandra continuó en Venezuela y fundó el Ballet Nuevo Mundo de Caracas y Vicente decidió regresar a Nueva York.

Durante su estancia en Estados Unidos entre 1981 y 1984, Vicente continuó con la creación de obras pero ya como coreógrafo contratado por proyectos específicos y no como coreógrafo estable en ninguna institución. Varias compañías le abrieron las puertas, entre ellas el New World Ballet, el Ballet Nacional de Canadá, el Royal Winnipeg Ballet, North Carolina Dance Theatre, Ballet Jazz de Montreal, Ballet del Teatro Municipal de Río de Janeiro, Royal Ballet of Wallonie y Ballet Hispánico of New York. Con esta última compañía mantuvo una relación que duró muchos años y rindió frutos artísticos.

A inicios de 1984, Elías Pérez Borjas es nombrado director general del Teatro Teresa Carreño y contactó a Vicente para ofrecerle la dirección artística de la compañía de ballet de esa institución. Vicente aceptó el cargo a mitad de ese mismo año y comenzó a trabajar en lo que sería la primera presentación bajo su dirección. En diciembre de 1984 se realizó la primera función bajo la nueva dirección artística presentando el ballet Pájaro de fuego, que había sido estrenado en 1982 por el Royal Winnipeg Ballet. Durante los 18 años que duró su permanencia en esta compañía de ballet fue un factor fundamental de la riqueza y contemporaneidad del repertorio de este grupo y del elevado nivel profesional exhibido por sus bailarines. Ejerció la dirección artística hasta su fallecimiento en 2002.

Las obras de Vicente Nebrada se caracterizan por un cuidadoso detalle en todas sus áreas, producto de la exigencia del creador. Nebrada utilizó el estilo neoclásico y le dio un sentido particular, realzando la femineidad de la mujer latinoamericana. Fue particularmente conocido por el estilo personal que le imprimió a sus pas de deux.

La personalidad artística de Vicente Nebrada fue definida por Clive Barnes del New York Post, con las siguientes expresiones: "Vicente Nebrada es un coreógrafo multifacético y fascinante cuyo talento podría dar al ballet latinoamericano una identidad y un estilo propio".

El repertorio coreográfico de Nebrada lo conforman más de sesenta títulos, de los cuales sobresalen: Nuestros Valses, Una Celebración de Haendel, Percusión para seis hombres, La Valse, Caín, La Luna y los hijos que tenía, Pájaro de fuego, Romeo y Julieta, Pentimento, Fiebre, Doble Corchea, El lago de los cisnes, Van Gogh y El Cascanueces. Sus coreografías han sido interpretadas por diferentes compañías de ballet alrededor del mundo. Según algunas destacadas personalidades* de la danza en Venezuela el legado coreográfico del maestro Vicente Nebrada ha sido apartado del acervo cultural venezolano.

Vicente Nebreda nombró en su testamento a Zane Wilson como "Heredero Universal" de todas sus obras coreográficas. Wilson fue el asistente coreográfico y compañero sentimental de Nebrada a lo largo de más de 30 años. Los derechos de autor por las coreografías, de algunas de sus obras en Venezuela, estuvieron en litigio entre Zane Wilson y el Teatro Teresa Carreño.

En el año 2011, gracias a las gestiones de la directora del Teatro Teresa Carreño, Alice Dotta, y de la gerente del la compañía de ballet residente del Teatro, Cristina Fungairiño, se retoman las conversaciones por los derechos sobre las coreografías de Nebrada con Zane Wilson. De estas conversaciones ya han surgido algunos convenimientos y, en mayo de 2012, se presentó en el Teatro Teresa Carreño una gala de ballet en homenaje a Nebrada, que contó con 4 de sus obras más representativas, acompañados por la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas dirigida por Rodolfo Saglimbeni.

La obra de Nebrada sigue siendo cotizada por compañías alrededor del mundo, el Ballet del SODRE en Uruguay, Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires, Instituto Colombiano de Ballet Clásico, Ballet de Santiago de Chile, Ballet Hispánico de Nueva York, Ballet de Filipinas, Ballet de Monterrey en México, son algunas de las compañías que incorporan piezas de Nebrada en su repertorio.

Premios y Condecoraciones

  • 1976: Premio Fokine, otorgado por la Universidad de la Danza de París por su coreografía Shadows. Francia
  • 1984: Premio CONAC de Danza Clásica, otorgado por el Consejo Nacional de la Cultura. Venezuela.
  • 1986: Orden Diego de Lozada en su Primera Clase, otorgado por el gobierno venezolano. Venezuela
  • 1991 Premio Nacional del Artista: Espectáculo del año "El lago de los cisnes", otorgado por la Fundación Casa del Artista. Venezuela.
  • 1991: Premio Nacional del Artista: Coreógrafo del año, otorgado por la Fundación Casa del Artista. Venezuela
  • 1992: Premio Nacional de Danza, que se otorga por primera vez en Venezuela.
  • 1992: Premio Nacional del Artista: Coreógrafo del año, otorgado por la Fundación Casa del Artista. Venezuela
  • 1993: Orden de Andrés Bello en su Primera Clase. Venezuela
  • 1995: Orden del Libertador Simón Bolívar en el grado de Gran Oficial, con motivo de sus 50 años de vida artística. Venezuela
  • 1995: Premio Municipal de Danza, otorgado por el Concejo del Municipio Libertador. Caracas, Venezuela.
  • 1996: Premio Nacional del Artista: Coreógrafo del año, otorgado por la Fundación Casa del Artista. Venezuela
  • 2001: Premio Monseñor Pellín en su XII edición: Obra de Teatro infantil del año, El Cascanueces. Venezuela
Festival Viva Nebrada

En 2008, por iniciativa de Eloisa Maturén, se creó el Festival Viva Nebrada. Este evento busca mantener vivo el legado coreográfico del Maestro Nebrada para las nuevas generaciones en Venezuela, así como impulsar y apoyar a los coreógrafos venezolanos, brindándoles una plataforma apropiada para el desarrollo de su creatividad. Concebido como un evento multidisciplinario, tienen cabida las diferentes manifestaciones de la danza, con propuestas que se enfocan en llevar la danza a la calle.
Primera edición

La primera edición del Festival Viva Nebrada se realizó entre el 28 de julio y el 1 de agosto de 2008. El evento, que fue organizado por Ciclorama Producciones Escénicas (Eloísa Maturén) y la Fundación Morella Muñoz (Gunilla Álvarez), culminó con dos funciones de Gala en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, contando con la participación de destacados bailarines venezolanos y extranjeros, la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar dirigida por el Maestro Gustavo Dudamel.

La segunda edición del Festival se efectuó entre el 7 y el 25 de julio de 2010 y se tituló Vive la danza. La propuesta de esta edición fue más urbana, tomando los diferentes puntos de la ciudad de Caracas con varias agrupaciones de danza y con diferentes estilos, que iban desde el hip-hop pasando por el flamenco y hasta la danza contemporánea.Finalizó con dos galas de danza en el Teatro Teresa Carreño, donde participaron cuatro escuelas de danza de Venezuela con obras de cuatro coreógrafos, y la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, dirigida por Gustavo Dudamel.

La tercera edición del Festival se realizó del 24 al 30 de junio de 2013. En esta edición, el Festival tomó el nombre de Festival Vive la Danza. Todos los espectáculos fueron realizados en 5 plazas emblemáticas de la ciudad de Caracas durante 7 días, y tuvieron cabida coreografías inéditas de 27 coreógrafos que desarrollan su actividad en la capital.
fuente/ ES.WIKIPEDIA.ORG

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lunes, 27 de julio de 2015

ALFONSO RUMAZO GONZÁLEZ

                                                                                             ALFONSO RUMAZO GONZÁLEZ
                                                                                                       (1903-2003)
DR RUMAZO E HIJA
HUMANISTA Y MAESTRO DE AMÉRICA


La obra intelectual de Alfonso Rumazo González, se puede decir que es prolija su prosa, y la concreción de unos hallazgos acrisolados en muchos libros y una manera de decir, que lo convierten en un cultor del idioma. 

Ecuador ha sido tierra de importantes biógrafos: sobre personajes anteriores a la conquista española, son reconocidos el Atahualpa, de Benjamín Carrión; el Atahualpa de Neptalí Zúñiga, el Rumiñahui, de Gonzalo Rubio Orbe, el Rumiñahui de Enrique Garcés. 

La obra biográfica nacional dedicada a personajes anteriores o precursores de la independencia, se ha centralizado en torno a la figura extraordinaria de Francisco Eugenio de Santa Cruz y Espejo. 

Sobre él hay también importantes trabajos biográficos, entre los cuales se haya el de Enrique Garcés. Otros, como el Juan Montalvo de Oscar Efrén Reyes, son reconocidos por su exhaustiva documentación, por los aciertos en el sentido interpretativo de un largo itinerario histórico. 

La obra biográfica de Alfonso Rumazo González, quien consagró años de vida a un esfuerzo por dotar de esencia, carnalidad y significación el itinerario vital de quienes contribuyeron a fundar naciones, y con la impronta de su acto heroico, decidieron el destino de nuestros pueblos. Todo ello cargado de un admirable interés por lo humano, pleno de fuerza comunicativa, de reconstrucción de época, y al mismo tiempo con una intensidad discursiva que abre sus textos al encantatorio acto del recuento, rigurosamente apegado al metarrelato histórico, a su reescritura. Junto con la biografía, la gran tradición del ensayo histórico, ha tenido en Rumazo González un consecuente indagador. 

Inscrito en la disciplina apasionante de quien busca iluminar el camino juntando las huellas de los caminantes, construye la historia en los pliegues, en los intersticios que resignifican la vida y la obra. Así, en mucho se debe a su pluma más de media docena de las mejores biografías que se hayan escrito sobre personajes fundamentales en la historia de nuestro continente.

ALFONSO RUMAZO GONZÁLEZ, HUMANISTA Y MAESTRO DE AMÉRICA 

  • 280 son las Grandes Biografías de Alfonso Rumazo González: 
  • “Bolívar”; 
  • “Manuela Sáenz, la Libertadora del Libertador”;
  • “Sucre, Gran Mariscal de Ayacucho”, 
  • “Miranda, Protolíder de la Independencia Americana”; 
  • “José Martí”, 
  • “Daniel Florencio O’ Leary”, 
  • “José de San Martín”, 
  • “Simón Rodríguez” y
  •  “Andrés Bello”. Libertadores, fundadores, guías de pueblos, pero más aún, forjadores de cultura y espíritu. No es Rumazo González solamente una de las figuras intelectuales más sólidas del Ecuador, sino uno de sus escritores más reconocidos por su formación clásica


Bien ha escrito el académico de la Lengua Jaime Dousdebés, en su artículo “Alfonso Rumazo González y su vuelo de cóndor”: 

"...Estudioso de clásica formación humanística fue luego maestro de sí mismo, abarcando con su erudición los límites de la sabiduría. Hombre fino y sensible, sintió la poesía como una riqueza del sentimiento y como un ser esencial de la vida que también se tradujo en su hogar..." 

El escritor está en la búsqueda de la red de significaciones que orientan la existencia, pero aún más: está en la construcción histórica de nuestra utopía. Porque la literatura, como todas las expresiones de la cultura, no es sólo destilación simbólica de la realidad, no es sólo la interpretación esteticista de un ejercicio individual; sino que también está construyendo la realidad, y esto importa para entender su función así como su percepción del futuro

La literatura genera imágenes, corrientes de opinión, formas de aprehensión de lo real, agregando presencia simbólica a la realidad. En todos los registros biográficos que ocuparon el interés histórico de Rumazo González, se teje también un mapa para mirar el continente; no escapan las razones integradoras que alentaron a Bolívar, a José de San Martín, a José Martí. 

Cada uno en su tiempo y situación específica, creyó en la unidad de Hispanoamérica, de Nuestra América. La unidad era, y es, un paso estratégico para avanzar con fuerzas más parejas a la interlocución con el Norte, con Europa y con el resto del mundo. Por ello son importantes las biografías, las historias de vida; palabras vivas para enseñar y no simple excusa para disimular oscuras intenciones o limpiar errores del pasado. 

Pareciera que por los momentos sólo fuera posible una natural unidad latinoamericana por razones de lengua y herencias culturales; la utopía bolivariana de la unidad de Nuestra América seguirá siendo una tarea pendiente, por lo pronto, sólo se ve en el horizonte una integración subordinada, atada a los compromisos inmediatos de mercados y capitales, que a la larga se conflictuan y se convierten en frustración. 

Alguien que conoció y apreció a Alfonso Rumazo González, fue nuestro Mariano Picón-Salas, quien junto a otro recordado y estimado ecuatoriano, Alfonso Cuesta y Cuesta le recibieron en nuestro país. 

Picón-Salas escribió en torno al sentido trascendente de lo histórico: “La Historia no es sino el incalculable impacto de las circunstancias sobre las utopías y los sueños” . Y eso tiene que ver con una concepción prosensual de la Historia, leída no sólo en lo fáctico sino en las relaciones de causa-efecto, sobre todo en el impacto que esos hechos han producido en el hombre y su cultura. 

La lectura de la historia se produce como un proceso de develamiento de signos que yacen en el cuerpo inerte del pasado, asimilados de manera dialéctica. Ha escrito Michel de Certeau: “la Historia es más que el Museo contemporáneo o futuro de obras de arte; es también combate y polémica, impureza de vida QUE NOS NUTRE Y DEFIENDE. 

ESCRITO POR GREGORY ZAMBRANO--www.saber.ula.ve


                  !HONOR, A QUIEN HONOR MERECE!

DON SIMÓN RODRÍGUEZ




Simón Narciso de Jesús Carreño Rodríguez (nació en Caracas, Venezuela, 28 de octubre de 1769* – muere en Distrito de Amotape, Paita, Perú, 28 de febrero de 1854), conocido en su exilio de la América española como Samuel Robinsón, fue un gran filósofo y educador venezolano, uno de los más grandes de su tiempo, tutor y mentor de Simón Bolívar al igual que Andrés Bello. Fue reconocido como profesor por su gran labor, empeño y perseverancia en la educación.

Simón Rodríguez, según el acta de bautismo que tuvo lugar el día lunes 14 de noviembre se le llamó Simón Narciso de Jesús, nació en Caracas, Venezuela, la noche del 28 de octubre de 1769. Según el acta de Bautismo encontrada en la Iglesia de la Parroquia Candelaria, Caracas, en 1979, «párbulo expósito», es decir sin padres conocidos, tal como aparecería en 1793, en el acta de matrimonio, y el historiador chileno, Miguel Luis Amunátegui, lo considera así, pues posiblemente se afincó en el testimonio de Andrés Bello, quien fue vecino de Simón Rodríguez en Caracas.
Criado en casa del sacerdote Alejandro Carreño, toma de él su apellido y es conocido como Simón Carreño Rodríguez. Documentos de la época y otros testimonios hacen pensar que el sacerdote era en efecto padre de Simón Rodríguez y de su hermano José Cayetano Carreño, cuatro años menor que él y quien se desarrollara como notable músico. Sin embargo, es también conocido, según acta de bautismo de José Cayetano Carreño, que también era expósito. De tal manera que se puede considerar que eran hermanos de crianza. Su madre Rosalía Rodríguez era hija de un propietario de haciendas y ganado, descendiente de canarios.
En mayo de 1791 el Cabildo de Caracas le da un puesto como profesor en la Escuela de Lectura y Escritura para niños, en 1794 presentó un escrito crítico Reflexiones sobre los defectos que vician la escuela de primeras letras en Caracas y medios de lograr su reforma por un nuevo establecimiento. En esta escuela tiene la oportunidad de ser el tutor del futuro Libertador Simón Bolívar. Fuertemente influenciado por el Emilio de Jean-Jacques Rousseau, Simón Rodríguez desarrolla una revolucionaria concepción de lo que debe ser el modelo educativo de las naciones americanas. El mismo Bolívar en carta al general Santander en 1824 decía que su maestro «enseñaba divirtiendo». Este espíritu que intentaba romper con las rígidas costumbres educativas del colonialismo español se reflejaría en toda la obra y el pensamiento de Simón Rodríguez.
Su participación en la Conspiración de Gual y España en contra de la corona española en 1797 lo obliga a dejar el territorio venezolano.

Samuel Robinson

En Kingston, Jamaica, cambia su nombre a Samuel Robinsón, y después de permanecer algunos años en los Estados Unidos, viaja a Francia (1801). En 1804 se encuentra allí con Simón Bolívar, de quien había sido maestro cuando niño. Juntos realizan un largo viaje por gran parte de Europa. Son testigos presenciales de la coronación de Napoleón Bonaparte en Milán como Rey de Italia y de Roma. Es testigo del famoso juramento de Bolívar sobre El Monte Sacro, en donde profetiza que liberaría a toda América de la corona española, y lo registra para la historia.
Entre 1806 y 1823, mientras se libraba gran parte de la Guerra de Independencia en su natal Venezuela, Rodríguez se hospeda en Italia, Alemania, Rusia, Prusia, y Holanda. Luego daría su opinión sobre este periodo de tiempo diciendo:
Permanecí en Europa por más de 20 años; trabajé en un laboratorio de química industrial […]; concurrí a juntas secretas de carácter socialista […]. Estudié un poco de literatura, aprendí lenguas y regenté una escuela de primeras letras en un pueblecito de Rusia.
Regresa a América en 1823, usando el nombre de Simón Rodríguez nuevamente. En Colombia establece la primera escuela-taller en 1824. Atiende al llamado hecho por Bolívar desde el Perú y es nombrado “Director de la educación Pública, Ciencias, Artes Físicas y Matemáticas” y “Director de Minas, Agricultura y Vías Públicas” de Bolivia.
En 1826, establece una segunda escuela-taller como parte del proyecto para toda Bolivia. Pero, el Mariscal Antonio José de Sucre, presidente de Bolivia desde octubre de 1826, no tenía una buena relación con él, por lo que Rodríguez dimitió el mismo año, trabajando el resto de su vida como educador y escritor, viviendo alternadamente entre Perú, Chile y Ecuador. Muy importante es su trabajo titulado Sociedades Americanas, dividido en varias ediciones publicadas en Arequipa (1828), Concepción (1834), Valparaíso (1838), y Lima (1842). El texto insiste en la necesidad de buscar soluciones propias para los problemas de Hispanoamérica, idea que sintetiza su frase:
La América española es original, originales han de ser sus instituciones y su gobierno, y originales sus medios de fundar uno y otro. O inventamos, o erramos.
Otra obra importante fue El Libertador del Mediodía de América y sus compañeros de Armas (1830), un alegato sobre la lucha social que emprendía Bolívar en esa época. En los años finales de su vida dio clases en varios colegios de Quito y Guayaquil (Ecuador); debido a un incendio que azotó esta ciudad, gran parte de su obra quedó hecha cenizas.
En el año de 1853 emprende su último viaje rumbo a Perú al lado de su hijo José, y Camilo Gómez, un compañero de éste. Gómez lo asiste en su muerte en el año 1854, en el pueblo de Amotape. Sus restos son trasladados setenta años después al panteón de Perú, y luego a su Caracas natal en donde reposan hoy en día en el Panteón Nacional desde 1954.
En Cali , Valle del Cauca - Colombia se fundó la Institución Educativa Técnica de Comercio Simón Rodríguez en honor a Simón Rodríguez. En Caracas, Venezuela se fundó La Universidad Nacional Experimental Simón Rodríguez en honor al mismo.

  • Obras:
  • “Reflexiones sobre los defectos que vician la escuela de primeras letras en Caracas y medios de lograr su reforma por un nuevo establecimiento(1794)" 
  • "El Libertador del Mediodía de América y sus compañeros de Armas" (1830)  (Todos los textos que aparecen a continuación, se han tomado de la obra en dos volúmenes
  •  Simón Rodríguez – Obras Completas”, edición hecha por la Universidad “Simón Rodríguez”, de Caracas en agosto de 1975 - Editorial Arte)
  • Defensa de Bolívar La Educación Republicana Luces y Virtudes Sociales 
  • La Educación Republicana II Consejos de amigo. Fuente: es.wikipedia.org
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    domingo, 26 de julio de 2015

    JACKELINE KENNEDY- ONASSIS

                                                     JACKELINE KENNEDY ONASSIS

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    Jacqueline Lee "Jackie" (Bouvier) Kennedy Onassis nació en Nueva York, 28 de julio de 1929 y murió en  Nueva York, 19 de mayo de 1994; fue la esposa del trigésimo quinto presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy, y primera dama de los Estados Unidos durante su presidencia desde 1961 hasta el asesinato de su esposo en 1963.

    Cinco años más tarde se casó con el magnate naviero griego Aristóteles Onásis; permanecieron casados hasta su muerte en 1975. 

    Durante las dos últimas décadas de su vida, Jacqueline Kennedy Onassis tuvo una carrera como editora de libros. Es recordada por su contribución a las artes y la preservación de la arquitectura histórica, su estilo, elegancia y gracia. Un icono de la moda, su famoso traje rosa Chanel se ha convertido en un símbolo del asesinato de su esposo y una de las imágenes perdurables de la década de 1960.

    Jacqueline Lee Bouvier nació en Southampton (Nueva York), hija del corredor de bolsa de Wall Street John Vernou Bouvier III y Janet Norton Lee. La hermana menor de Jackie, Lee Radziwill, nació en 1933. Los Bouvier se divorciarion en 1940. Janet se casó más tarde con el heredero de Standard Oil, Hugh Dudley Auchincloss, Jr. en 1942 y tuvo dos hijos más: Janet Jennings Auchincloss y James Lee Auchincloss.

    Su madre tenía ascendencia irlandesa y la de su padre incluía francesa, escocesa, e inglesa.Su bisabuelo materno emigró de Cork, Irlanda, y más tarde se convirtió en el superintendente de las Escuelas Públicas de la Ciudad de Nueva York. Michel Bouvier, el tatara-tatara-abuelo patrilineal de Jacqueline, nació en Francia y fue contemporáneo de José Bonaparte y Stephen Girard. Él, era un ebanista, carpintero, comerciante y especulador de bienes raíces radicado en Filadelfia. La esposa de Michel, Louise Vernou, era la hija de John Vernou, un estanco émigré francés, y Elizabeth Clifford Lindsay, una mujer nacida en Estados Unidos. El abuelo de Jackie, John Vernou Bouvier Jr., fabricó una ascendencia más noble de su familia en su libro de historia familiar, Our Forebears ("Nuestros antepasados"). 

    Los estudios recientes y la investigación realizada por el primo de Jackie, John H. Davis en su libro The Bouviers: Portrait of an American Family ("Los Bouvier: Retrato de una familia americana"), han refutado la mayoría de estos linajes de fantasía.
    Bouvier pasó sus primeros años en la ciudad de Nueva York y East Hampton (Nueva York), en la finca de la familia Bouvier, "Lasata". Tras el divorcio de sus padres, las hermanas Bouvier dividieron su tiempo entre las casas de su madre en McLean (Virginia) y Newport (Rhode Island), y las casas de su padre en Calle 74 125 (Manhattan) y Long Island. Bouvier asistió a la Chapin School en la ciudad de Nueva York .A una edad muy temprana, se convirtió en una amazona entusiasta, y montar a caballo siguió siendo una pasión de por vida.

    Educación y juventud

    Bouvier asistió a la escuela Holton-Arms de Bethesda, Maryland, desde 1942 hasta 1944, y la escuela de Miss Porter en Farmington, Connecticut, de 1944 a 1947. Cuando hizo su debut en sociedad en 1947, el columnista de Hearst, Igor Cassini, la apodó "debutante del año."
    A partir de 1947, Bouvier pasó sus dos primeros años de universidad en el Vassar College en Poughkeepsie, Nueva York, y luego pasó su primer año (1949-1950) en Francia – en la Universidad de Grenoble en Grenoble y en la Sorbonne de París – en un programa de estudios en el extranjero a través de Smith College en Northampton (Massachusetts). Al regresar a casa a los Estados Unidos, se trasladó a la Universidad George Washington en Washington D. C.; se graduó en 1951 con un título de Bachelor of Arts en literatura francesa. La graduación universitaria de Bouvier coincidió con la graduación de secundaria de su hermana, y las dos pasaron el verano de 1951 en un viaje por Europa. Este viaje fue el tema del único libro autobiográfico de Jacqueline, One Special Summer (Un verano especial), con su hermana como co-autora; y también es la única de las publicaciones de Jacqueline que cuentan con sus dibujos.
    Después de su graduación, Bouvier fue contratada como "fotógrafa indagadora" para The Washington Times-Herald. La posición requería hacer preguntas ingeniosas a individuos escogidos al azar en la calle y tomar sus fotos para ser publicadas en el periódico junto a citas seleccionadas de sus respuestas. Durante este tiempo, estuvo comprometida con un joven corredor de bolsa, John Husted GW, Jr., durante tres meses. Bouvier más tarde tomó clases de educación continua de Historia de América en la Universidad de Georgetown en Washington D. C..

    Matrimonio con Kennedy y familia

    Jacqueline Bouvier y el entonces representante de los Estados Unidos John Fitzgerald "Jack" Kennedy pertenecían al mismo círculo social y asistían a menudo las mismas funciones. Fueron presentados formalmente por un amigo en común, el periodista Charles L. Bartlett, en una cena en mayo de 1952. Kennedy estaba entonces ocupado postulándose para el Senado de los Estados Unidos, pero después de su elección en noviembre, la relación se volvió más seria y llevó a su compromiso, anunciado oficialmente el 25 de junio 1953.
    Se casaron el 12 de septiembre de 1953, en la iglesia St. Mary en Newport, Rhode Island, en una misa celebrada por el Arzobispo de Boston Richard Cushing. La boda fue considerada como el evento social de la temporada, con un estimado de 700 invitados a la ceremonia y 1200 en la recepción que siguió al Hammersmith Farm.
    El pastel de boda fue creado por la panadería de Plourde en Fall River, Massachusetts. El vestido de novia, hoy conservado en la Biblioteca y Museo Presidencial de John F. Kennedy en Boston, Massachusetts, y los vestidos de sus acompañantes fueron creados por la diseñadora Ann Lowe de la ciudad de Nueva York.
    Los recién casados fueron de luna de miel a Acapulco, México, antes de instalarse en su nuevo hogar, Hickory Hill en McLean (Virginia).Detrás del glamour, sin embargo, la pareja se enfrentó a varios reveses personales. Jack tenía algunos problemas de salud serios entonces desconocidos por el público: sufría de la enfermedad de Addison y de un crónico y a veces debilitante dolor de espalda debido a una herida de guerra. Durante el otoño y el invierno de 1954, se sometió a dos delicadas operaciones espinales que casi resultaron fatales. Además, Jackie sufrió un aborto natural en 1955 y dio a luz a una hija muerta llamada Arabella en 1956.
    La pareja terminó vendiendo su Hickory Hill al hermano de Jack, Robert Francis "Bobby" Kennedy, su esposa Ethel Skakel y su familia en crecimiento, y compró una casa en la calle N en Georgetown, Jackie posteriormente dio a luz a una segunda hija, Caroline, en 1957, y un hijo, John-John, en 1960, ambos a través de cesárea. Un segundo hijo, Patrick, nació prematuramente en una cesárea de emergencia el 7 de agosto de 1963, y murió dos días después.
     Estados Unidos
    John F. Kennedy venció a Richard Nixon en las elecciones de 1960 y se convirtió en el 35 Presidente de los Estados Unidos de América en 1961. Con 31 años, Jacqueline se convirtió en la más joven de las primeras damas de la historia.
    Nunca le gustó el título de “primera dama” ya que decía que parecía el nombre de un caballo. Con la llegada de su marido a la Casa Blanca, la vida privada de Jackie se convirtió en centro de atención del público. Le gustaba vestirse con trajes de diseñadores franceses, lo que algunos diseñadores estadounidenses consideraron un símbolo de deslealtad. Durante su periodo como primera dama, Jacqueline se convirtió en un icono de la moda, tanto a escala local como internacional.
    El 14 de febrero de 1962, realizó una visita guiada por la Casa Blanca para la televisión norteamericana. El primer gran proyecto de Jacqueline fue redecorar la casa presidencial. Consideraba que la decoración anterior estaba vacía de contenido histórico. Como amante de la historia, pensaba que la mansión tenía que representar plenamente a su país. Trabajó duro para encontrar muebles antiguos auténticos y obras de arte que encajaran con el diseño de la Casa Blanca. Encontró retratos originales de personajes comoThomas Jefferson y Benjamín Franklin.
    Sabía que sus hijos estaban bajo la mirada del público, pero decidió que los protegería de la prensa, y que intentaría darles una infancia normal.
    Junto a su marido, planificó numerosos actos sociales que los llevaron a ser protagonistas de la vida cultural. No fueron como las anteriores parejas presidenciales; apreciaban el arte, la música y la cultura. Invitaron a artistas y músicos a cenas y fiestas; celebraron actos especiales en honor de los ganadores del Premio Nobel; y transformaron por completo las cenas de estado que se celebraban en la Casa Blanca.

    El asesinato de Kennedy

    Jackie Kennedy estaba sentada al lado del Presidente cuando éste recibió el disparo que lo mató el 22 de noviembre de 1963 en Dallas, Texas. La señora Kennedy testificó ante la Comisión Warren haber visto como saltaban trozos de la cabeza de su esposo, a pesar de que, según el film que registró el magnicidio, la posición de la primera dama no le permitía ver la cabeza de su esposo al menos hasta un segundo después de que recibiera el disparo. En cuestión de segundos, Jacqueline se subió a la parte trasera del vehículo presidencial con miedo y pánico.
    Su templanza en los momentos posteriores al asesinato hizo que se ganara la admiración del mundo entero. Presidió el funeral por el presidente, llevando a sus dos hijos de la mano, caminando tras el ataúd desde la Casa Blanca hasta la catedral de Sant Matthew, en la que se celebró un funeral masivo. Jackie fue la encargada de encender la llama en la tumba de su esposo en el Cementerio de Arlington. El periódico londinense The London Evening Standard dijo de ella: «Jacqueline Kennedy ha dado al pueblo estadounidense una cosa que siempre habían deseado: majestuosidad». Una semana después del asesinato concedió una entrevista para la revista Life. En esta entrevista habló de los años de Kennedy como «los años de Camelot». Durante un año no hizo ninguna aparición pública.

    Boda con Onassis y últimos años 

    El 20 de octubre de 1968 se casó con el armador griego Aristóteles Onassis. Cuando su cuñado Robert F. Kennedy fue asesinado meses antes, Jacqueline creyó que los Kennedy sufrían una persecución y que tanto ella como sus hijos debían abandonar los Estados Unidos.
    El matrimonio con Onassis cobraba sentido: él tenía el dinero y el poder suficientes para darle el estatus y la protección que buscaba; ella tenía el estatus social que él necesitaba. Onassis finalizó un sonado romance con la diva María Callas para poder casarse con Jackie. La boda se celebró en la isla privada de Skorpios.
    El matrimonio no fue por amor. Las relaciones con los hijos de Onassis fueron tortuosas y Jackie al poco tiempo de casada, dio rienda suelta a una serie de gustos extravagantes que su afligido marido tenía que satisfacer a costa de grandes sumas de dinero en recursos malgastados y dedicación extra de sus empleados.
    La pareja pasaba poco tiempo junta. Mientras Onassis viajaba con Carolina y John y (el hijo de Onassis, Alejandro Onassis, había introducido a John en el mundo de la aviación), a Jackie se la vio rara vez en compañía de su hijastra Christina Onassis, que finalmente terminó rechazándola.
    Al cabo de unos años la relación se deterioró completamente y Onassis, ya hastiado, decidió que era tiempo de desembarazarse de su costosa esposa, que pasaba la mayor parte de su tiempo viajando y comprando, y empezó a tramitar su divorcio, mientras intentaba reconquistar nuevamente a María Callas. Mientras estaban tramitando aún el divorcio, Onassis murió el 15 de marzo de 1975, dejando una gran herencia a Jackie y desencadenando un litigio con Christina Onassis.
    Pasó los últimos años de su vida junto a Maurice Tempelsman, un industrial belga, comerciante de diamantes. En 1994 se le diagnosticó un linfoma, un tipo de cáncer que estaba en avanzado estado de desarrollo. Murió en su apartamento de la Quinta Avenida de Nueva York, el 19 de mayo de ese mismo año a la edad de 64 años. 

    En su memoria, la gran reserva de agua del Central Park fue nombrada "Jacqueline Kennedy Reservoir".
    Su funeral fue televisado en todos los Estados Unidos. Está enterrada junto a su primer esposo, el presidente Kennedy. La ceremonia, aunque tenía carácter privado, contó con intervenciones de personajes como el presidente Bill Clinton. fuente:wikipedia.org.

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      sábado, 25 de julio de 2015

      DANTE ALIGHIERI

                                                                 DANTE ALIGHIERI
      EL PENSADOR

      Nació en Florencia bajo el signo de Géminis, entre el 15 de mayo y el 15 de junio de 1265; él mismo remonta su linaje hasta su tatarabuelo Cacciaguida, ennoblecido por Conrado III y muerto en la segunda cruzada a Tierra Santa en 1147. 

      Pero se tiene por más seguro que perteneciera a una familia de la nobleza urbana, con pocas propiedades, dedicada desde antiguo al comercio. De hecho, tanto su padre como su abuelo Bellincione tenían fama de usureros.

      Fue un poeta italiano. Su obra maestra, la Divina comedia, es una de las obras fundamentales de la transición del pensamiento medieval al renacentista. Es considerada la obra maestra de la literatura italiana y una de las cumbres de la literatura universal.

      En italiano es conocido como il Sommo Poeta («el Poeta Supremo»). A Dante también se le considera el «padre del idioma» italiano (llamado volgare en aquella época). Su primera biografía fue escrita por Giovanni Boccaccio (1313–1375), en el Trattatello in laude di Dante.

      Participó activamente en las luchas políticas de su tiempo, por lo que fue desterrado de su ciudad natal. Fue un activo defensor de la unidad italiana. Escribió varios tratados en latín sobre literatura, política y filosofía. A su pluma se debe el tratado en latín De Monarchia, de 1310, que constituye una exposición detallada de sus ideas políticas, entre las cuales se encuentran la necesidad de la existencia de un Sacro Imperio Romano y la separación de la Iglesia y el Estado. Luchó contra los gibelinos de Arezzo. La fecha exacta del nacimiento de Dante es desconocida, aunque generalmente se cree que está alrededor de 1265. Esto puede deducirse de las alusiones autobiográficas reflejadas en la Vita nuova.
      Infancia y juventud
      Se desconoce en qué año nació Dante, aunque suele datarse su nacimiento en torno a 1265, tomando en cuenta algunas alusiones autobiográficas en la Vita Nova y en el Infierno (que se inicia «en medio del camino de nuestra vida», cuando se sabe por otras de sus obras que, siguiendo una tradición bien conocida, Dante consideraba que la mitad de la vida de un hombre eran los 35 años, por lo que, si el viaje imaginario se inicia en 1300, debería haber nacido hacia 1265). Algunos versos del Paraíso informan que nació bajo el signo de Géminis, es decir, entre el 21 de mayo y el 21 de junio.
      L'aiuola che ci fa tanto feroci,
      volgendom' io con li etterni Gemelli,tutta m'apparve dà colli a le foci;
      poscia rivolsi li occhi a li occhi belli.
      Paraíso, canto XXII, 151–154.
      Pudo haber sido bautizado con el nombre de «Durante» en el Baptisterio de Florencia, y Dante podría ser la versión hipocorística de tal nombre. Su familia era una gran familia florentina cuyo verdadero nombre era Alaghieri, favorable al partido güelfo. Su padre, Alighiero de Bellincione, era un güelfo blanco, pero no sufrió la venganza de los gibelinos, después de su victoria en la batalla de Montaperti. Esta salvación le dio un cierto prestigio a la familia.
      La madre de Dante era Bella degli Abati y falleció cuando Dante tenía sólo 5 ó 6 años. Poco después su padre Alighiero se volvió a casar con Lapa di Chiarissimo Cialuffise (existe controversia en cuanto a esa boda, proponiendo que los dos se hayan unido sin contraer matrimonio, debido a las dificultades levantadas, en la época, a la boda de viudos). El padre de Dante tuvo con ella dos hijos: Francesco y Tana (Gaetana).
      Mientras estudiaba en su ciudad natal en 1278, fue discípulo de Brunetto Latini, quien hace aparición en Infierno (canto XV), y fue amigo del poeta Cavalcanti.
      Cuando Dante tenía 12 años, se comprometió con Gemma, hija de Messer Manetto Donati, con la que se casó en 1291. Los matrimonios negociados a edades tan precoces eran entonces frecuentes y constituían una ceremonia importante, que exigía actos oficiales firmados delante de notario. Dante tuvo varios hijos con Gemma: Jacopo, Pietro y Antonia, y quizá un cuarto (Juan). Antonia se hizo monja con el nombre de Hermana Beatrice.

      Educación y poesía

      Muy poco se sabe de la educación de Dante. Se presume que se educaba en casa y que estudió poesía toscana de Guittone de Arezzo y Bonagiunta Orbicciani. En ese momento, la Escuela Siciliana (Scuola poetica siciliana), un grupo cultural de Sicilia, cautivó a Dante. Sus centros de interés lo llevaron a conocer juglares de Provenza y la cultura latina. También se hacía evidente su admiración hacia Virgilio. Además estudió la lengua vernácula italiana, el latín (el idioma franco de esa época), el provenzal, y de hecho insertó algunos versos en este idioma en el Purgatorio.
      Hay que señalar que en la Edad Media la caída del Imperio romano dejó una docena de pequeños Estados, de modo que Sicilia estaba alejada cultural y políticamente de la Toscana, y de Provenza: las regiones no compartían la misma lengua ni la misma cultura y los medios de comunicación eran difíciles.
      Cuando tenía 09 años, encontró a Beatriz Portinari, hija de Folco Portinari, de la cual se enamoró «a primera vista», y al parecer sin aún haberse hablado. Él la vio con frecuencia después de los 18 años, a menudo intercambiaban saludos en la calle, pero nunca llegó a conocerla bien, él mismo con eficacia propuso el ejemplo para el amor cortés.
      Es difícil entender lo que este amor comprendía en realidad, pero algo sumamente importante para la cultura italiana . Era en nombre de este amor que Dante dio su impresión al Dolce stil nuovo que influenciaría a escritores y poetas a descubrir el tema del «Amor», que nunca antes había sido tan acentuado. El amor por Beatriz, al parecer, era la razón de su poesía y de su vida, junto con sus pasiones políticas.
      Cuando Beatriz murió en 1290, Dante trató de encontrar un refugio en la literatura latina. Entonces se dedicó a estudios filosóficos en escuelas religiosas, como Santa Maria Novella. Esta pasión «excesiva» por la filosofía sería criticada más tarde por el personaje de Beatriz en el Purgatorio, el segundo libro de la Divina comedia.

      Política.

      Dante, como muchos florentinos de aquellos días, estuvo involucrado en el conflicto de los güelfos y gibelinos. Luchó en la batalla de Campaldino (el 11 de junio de 1289), con los Caballeros Florentinos Güelfos contra los Gibelinos de Arezzo, luego en 1294 estuvo entre los caballeros que escoltaron a Carlos Martel de Anjou-Sicilia (el nieto de Carlos I de Sicilia) mientras él estaba en Florencia. En junio de 1290, se sitúa la fecha de la presunta muerte de Beatrice, a la edad de 24 años.
      Más adelante en su carrera política, se hizo doctor y farmacéutico. Se propuso no ejercer estas profesiones, pero una ley emitida en 1295 «el efecto de las reglas de Giano del Bella» requirió que la nobleza que pretendía ocupar cargos públicos debían alistarse en uno de los gremios de Corporazioni di Arti e Mestieri, entonces Dante obtuvo una rápida admisión en el gremio de los boticarios. La profesión que escogió no era completamente inepta, vendía sus libros en las tiendas de los boticarios. Como político, logró un poco de importancia.
      Después de derrotar a los Gibelinos, los Güelfos se dividieron en dos facciones: Güelfos Blancos (Guelfi Bianchi), el partido de Dante, liderados por Vieri dei Cerchi, y los Güelfos Negros (Guelfi Neri), conducidos por Corso Donati. Los «colores» fueron escogidos cuando Vieri dei Cerchi dio su protección a la familia Grandi en Pistoia, aquella zona fue llamada La parte bianca («La parte blanca»); Corso Donati por consiguiente había protegido al rival (Parte negra), y estos colores se hicieron los colores distintivos de los partidos en Florencia. Es miembro del Consejo Especial del Pueblo entre 1295 y 1296 y posteriormente formó parte del consejo que elegía los priores. De 1296 a 1297 fue miembro del Consejo de los Ciento. En el año 1300 fue designado como embajador en San Gimignano. En 1300 Dante es elegido como uno de los seis magistrados más altos en la ciudad de Florencia.
      La situación política en Florencia no era fácil, porque el Papa Bonifacio VIII planificaba una ocupación militar de la ciudad, y esto dificultó su labor como funcionario político. En 1301, Carlos de Valois, hermano del rey Felipe IV de Francia, visitó Florencia porque el Papa lo había designado pacificador de Toscana. Pero el gobierno de la ciudad ya había reaccionado negativamente a la llegada de los embajadores del Papa algunas semanas antes, buscando así la independencia de las influencias papales.
      Para resolver el problema, Dante fue designado como embajador y jefe de una delegación para proponer un tratado de paz, pero al llegar a Roma fue retenido por el Papa Bonifacio VIII que pretendía tomar Florencia, para que, de acuerdo con los güelfos negros, la ciudad se anexara a los Estados Pontificios. Corzo Donati, jefe de los güelfos negros desató una persecución en contra de los güelfos blancos, después de que el pontífice tomó la ciudad por la fuerza en 1301.

      Condena, exilio y muerte

      Bonifacio VIII pidió a la delegación volver a Florencia y obligó a Dante a permanecer en la ciudad. Al mismo tiempo (el 1 de noviembre de 1301) Carlos de Valois entró en Florencia con los Güelfos negros, quienes en los seis días posteriores destruyeron todo y mataron a la mayor parte de sus enemigos. Después del nombramiento de Cante dei Gabrielli da Gubbio como podestà (alcalde) de Florencia (9 de noviembre de 1301), Dante fue condenado por él a exilio durante dos años, y a pagar una gran suma de dinero (sentencia de 27 de enero de 1302). El poeta no podía pagar su multa y finalmente fue condenado a exilio perpetuo (10 de marzo de 1302) al igual que a otros 600 güelfos blancos, partidarios de la independencia y le fue negada toda participación política. El podestà declaró que si alguna vez Dante fuera atrapado por soldados florentinos, sería inmediatamente ejecutado (igne comburatur sic quod moriatur). Gemma, la esposa de Dante permaneció en Florencia con el fin de evitar la total confiscación de los bienes conyugales.
      El poeta participó en varias tentativas de los güelfos blancos para recuperar el poder que habían perdido, pero fallaron entre otras cosas debido a traiciones. Dante, disgustado por el trato que recibió de las manos de sus enemigos, también se molestó por las luchas internas y la ineficacia de sus aliados, y de hecho votó a hacer un partido de uno. Llegado a este punto comenzó a bosquejar las ideas para la Divina Comedia.
      Fue a Verona como invitado de Bartolomeo Della Scala, entonces se trasladó a Sarzana (Liguria), y es después de esto que, como se supone, vivió un tiempo en la ciudad de Lucca, en donde estuvo tranquilo con Madame Gentucca (más tarde y, como señal de gratitud, fue mencionada en el Purgatorio, XXIV, 37). Algunas fuentes especulativas dicen que Dante permaneció en París entre los años 1308 y 1310. Otras fuentes, de menor fiabilidad, lo sitúan en Oxford.
      En 1310 Enrique VII de Luxemburgo, Rey de los Romanos, invadió Italia; Dante vio en él, la ocasión de la venganza, así que le escribió varias cartas (y a otros príncipes italianos) en las que le incitaba a destruir violentamente a los güelfos negros. Mezclando la religión y preocupaciones privadas, invocó la peor cólera de Dios contra su ciudad, sugiriendo varios blancos particulares que coincidían con sus enemigos personales.
      En Florencia, Baldo d'Aguglione perdonó a la mayor parte de güelfos blancos del exilio, y les permitió volver; sin embargo, Dante había ido al margen de la sociedad en sus violentas cartas a Enrique VII, y por ello no fue perdonado. En 1310, Enrique VII, emperador de Alemania, fue coronado en Milán, como rey de Italia. En 1312, Enrique VII asaltó Florencia y derrotó a los güelfos negros, pero no hay ninguna prueba de que Dante estuviese implicado. Unos dicen que rechazó participar en el asalto sobre su ciudad; los otros sugieren que su nombre se hubiera hecho desagradable para los güelfos blancos y también que cualquier rastro de su paso por la ciudad había sido quitado cuidadosamente. Dante buscó entrevistarse con Enrique VII y aunque no pretendía deber su regreso al ejército alemán, sí quería ver una Florencia libre de la codicia pontifical. Los deseos de Dante cambiaron a raíz de enterarse de que Enrique VII había fallecido envenenado; y con él cualquier esperanza para que Dante volviera a ver Florencia otra vez. Así que regresó a Verona, donde Cangrande della Scala le permitió vivir con cierta seguridad, por lo visto, en una cantidad justa de prosperidad. Cangrande fue admitido al Paraíso de Dante.
      En 1315, Florencia fue forzada por Uguccione della Faggiuola (el oficial militar que controla la ciudad) a conceder una amnistía a los exiliados. Dante estaba en la lista de ciudadanos perdonados. Pero Florencia requirió que, aparte del pago de una suma del dinero, estos ciudadanos estuvieran de acuerdo con ser tratados como delincuentes en una ceremonia religiosa y someterse a un consejo público en el que se les reconocería como delincuentes públicos. Dante rechazó este vergonzoso requerimiento y prefirió permanecer en el exilio.
      Cuando Uguccione finalmente derrotó a Florencia, la pena de muerte de Dante se convirtió en el confinamiento, con la condición única de que volviera a Florencia a jurar que nunca iba a entrar a la ciudad otra vez. Confirmaron su condena a muerte y la ampliaron a sus hijos. Mucho tiempo esperó Dante ser invitado a volver a Florencia en términos honorables. Para él, el exilio era casi una forma de muerte porque le despojaba de la mayor parte de su identidad. Desde luego, nunca regresó.
      El príncipe Guido Novello da Polenta lo invitó a Rávena en 1318 y él aceptó. Terminó el Paraíso, y finalmente murió en 1321 (a la edad de 56 años) cuando regresaba a Rávena de una misión diplomática en Venecia, quizás por la malaria. Dante fue enterrado en la Iglesia de San Pier Maggiore (llamada más tarde San Francisco de Asís). Bernardo Bembo, pretor de Venecia, mostró preocupación en 1483 por sus restos y organizó su traslado a una tumba mejor.
      Finalmente, Florencia lamentó el exilio de Dante. En 1829, se construyó una tumba para él en Florencia en la Basílica de Santa Cruz. Esa tumba ha estado siempre vacía y el cuerpo de Dante permanece en su tumba en Rávena. El frente de su tumba en Florencia se lee Onorate l'altissimo poeta («Honrad al más alto poeta»).
      El tema de la obra es el amor platónico de Dante por su amada Beatriz. Dante encuentra por primera vez a Beatriz a los nueve años y se enamora de ella en el acto. Vuelve a encontrarla nueve años después, a los dieciocho de edad, y compone un soneto en su honor. Desde ese momento, siente por Beatriz un amor platónico, y su mayor felicidad es ser saludado por ella. Sin embargo, oculta cuidadosamente el amor que tiene por Beatriz cortejando abiertamente a otra dama.
      Llegado esto a oídos de Beatriz, ella le niega el saludo. Se le aparece el Amor, y en su discurso, que el poeta no comprende, profetiza la muerte de Beatriz Portinari. Dante toma como objetivo de su vida expresar a través de la poesía su amor por Beatriz. Muere el padre de Beatriz y, poco después, Dante cae gravemente enfermo. Durante su enfermedad tiene una pesadilla que es un presagio de la muerte de Beatriz, que se relaciona con el número 9.
      Dante se cree enamorado de otra dama, pero vence esta falsa pasión, y una visión le muestra a Beatriz, vestida de rojo, en la gloria de los cielos, por lo cual el poeta decide no amar a otra mujer y consagrar su vida al recuerdo de su amada, aunque no escribirá sobre ella hasta que no sea capaz de encontrar la forma adecuada de hacerlo.
      En el ámbito universal se conoce a Beatriz como una de las más grandes musas de la historia. Fue esta mujer quien inspiró a Dante para escribir una de las más grandes obras de la literatura mundial.

      De vulgari eloquentia

      De vulgari eloquentia (acerca del habla popular) es el título de un ensayo de Dante Alighieri, escrito en latín e inicialmente iba a consistir en cuatro libros, pero Dante desechó la idea después del segundo. Fue probablemente escrito en los años que precedieron el destierro de Dante de su natal Florencia, entre 1303 y 1305. Los ensayos latinos eran muy populares en la Edad Media, pero Dante hizo algunas innovaciones en su trabajo. Primero: el tema, la lengua vernácula, que era una opción rara en ese momento. Secundariamente, la manera en que Dante se acercó a este tema, dando a la lengua vernácula la misma dignidad que se le otorgaba al latín. Finalmente, Dante escribió este ensayo para analizar el origen y la filosofía de lengua vernácula, porque, en su opinión, este idioma no era algo estático, sino algo que evolucionaba y necesitaba una contextualización histórica.
      Al principio, Dante enfrentó la evolución histórica del idioma que él pensaba que nació unitario y luego fue separado en modismos diferentes debido a la vanidad demostrada por la humanidad en la Torre de Babel. Compiló un mapa de la posición geográfica de los idiomas que él conocía, mientras dividió el territorio europeo en tres partes: uno al este, con los idiomas griegos, uno al norte, con los idiomas germánicos, y al sur los idiomas del Romance, separado en tres ramas, identificadas por el adverbio de afirmación, el idioma del oc, el idioma del oïl y el idioma del sì. Rebatió la idea de que la gramática es un idioma estático que consiste en reglas inmutables. Dante necesitó recuperar los idiomas naturales.
      Entre los capítulos diez y quince del primer libro, Dante escribe sobre su investigación para una lengua vernácula ilustre, entre las catorce variedades encontradas en la región italiana. Directamente o indirectamente, Dante leyó los trabajos de San Agustín, los de Tomás de Aquino y algunos diccionarios enciclopédicos como el Etymologiae de Isidoro de Sevilla y Li livres dou trésor de Brunetto Latini. Él también se inspira en la filosofía Aristotélica, y en el trabajo de Dante se pueden identificar algunas referencias en los textos a representantes de lo que a veces se ha llamado Aristotelismo Radical.

      Divina comedia

      Cada una de sus partes está dividida en 33 cantos, a su vez compuestos de tercetos. La composición del poema se ordena según el simbolismo del número tres (número que simboliza la trinidad sagrada, Padre, Hijo y Espíritu Santo, así como también, el número tres simboliza el equilibrio y la estabilidad en algunas culturas, y que también tiene relación con el triángulo): tres personajes principales, Dante, que personifica al hombre, Beatriz, que personifica a la fe, y Virgilio, que personifica a la razón; la estrofa tiene tres versos y cada una de las tres partes cuenta con treinta y tres cantos.

      El poema puede leerse según los cuatro significados que se atribuyen a los textos sagrados: literal, moralalegórico y anagógico. En este poema, Dante hace gala de un gran poder de síntesis que es característico de los grandes poetas.
      Dante Alighieri llamó comedia a su libro pues, de acuerdo con el esquema clásico, no podía ser una tragedia, ya que su final era feliz. El libro suele presentarse actualmente con un gran cuerpo de notas que ayudan a entender quiénes eran los personajes mencionados. Estos comentarios incluyen interpretaciones de las alegorías o significados místicos que contendría el texto, que otros prefieren leer como un relato literal.

      Esta tendencia se acentuó en el siglo XX entre los exégetas y críticos de La divina comedia, muchos de los cuales sostienen que Dante narró una historia en el mundo material de ultratumba tal como se lo concebía en su tiempo. Miguel Asín Palacios, por otra parte, destacó la importancia de la escatología musulmana en la estructura del Infierno dantesco , y en particular de la obra Escala de Mahoma, en la que Mahoma, guiado por el arcángel Gabriel, recorre el Cielo y el Infierno, dividido este último en siete estancias.

      Dante en la cultura moderna

      La vida y obra de Dante ha tenido una influencia decisiva en la construcción de la identidad italiana y en general en la cultura moderna. Muchos escritores e intelectuales han utilizado y lo siguen haciendo la Divina Comedia y otras obras de Dante como una fuente de inspiración temática, lingüística y expresiva.

      Literatura

      La Sociedad Dante Alighieri, que se dedica a difundir la lengua italiana, nació en Roma en 1889 mediante el Real Decreto Nº 347. Cartas a los años de nostalgia (1997), (Natsukashii e no tegami) es una novela del Premio Nobel de Literatura de 1994, Kenzaburo Oe, la cual relata la historia de los sucesos acaecidos desde antes de su entrada a la universidad hasta los ulteriores años como celebridad. Utiliza como plataforma de fondo a La Divina Comedia.

      El párrafo final de Deus caritas est primera encíclica escrita por el Papa Benedicto XVI, está inspirado en la Divina Comedia de Dante Alighieri (particularmente en el último canto del Paraíso, el cual finaliza en la Luz interminable que es Dios mismo, la Luz que es al mismo tiempo el Amor que mueve al Sol y a las otras estrellas), concluyendo al considerar el ejemplo de los santos y al elevar una oración a la Virgen María. En el álbum Nº 28 de Superlópez titulado El Infierno, Juan López nos muestra a su más famoso «hijo» atravesando el infierno de Dante en versión cómic.

      El poeta guatemalteco Luis Cardoza y Aragón utiliza a Dante como personaje en su largo poema en prosa Pequeña sinfonía del nuevo mundo; en esta obra el poeta vaga por Nueva York guiado por un niño. En la obra poética de Eugenio Montale es frecuente los términos y las fórmulas del Dante lírico y del Dante de la Comedia. El poeta Thomas Stearns Eliot se inspirá en Dante en el poema La tierra yerma donde traduce literalmente los versos 56-57 del tercer canto del Infierno. 

      El poeta argentino Jorge Luis Borges, escribió Nueve ensayos dantescos y realizó numerosas conferencias en relación con el sagrado poema. Su trabajo refleja muy a menudo las claves de la Comedia que incluye en sus poemas como en Poema conjetural que incorpora el episodio en el Purgatorio. En la novela de Matilde Asensi, El Último Catón, aparece involucrado con la sociedad de los Staurofilakes, ya que el revela la ubicación de la Vera Cruz al mundo cuando redacta la ruta de iniciación de la sociedad en la estructura del Purgatorio en la Divina Comedia.

      Artes plásticas

      Dante y Beatriz a orillas del Leteo 1889, obra del pintor venezolano Cristóbal Rojas.
      En Italia, el diseño de la cara nacional de la moneda de 2 euros muestra el retrato de Dante Alighieri realizado por Rafael Sanzio que se conserva en el ala del papa Julio II del Palacio del Vaticano.    En el año 2007, científicos italianos de la Universidad de Bolonia recrearon la cara «real» de Dante. Se cree que es el más parecido a su verdadera apariencia. Un retrato pintado por Botticelli fue usado como base junto al cráneo. * Dante cuenta con numerosas representaciones gráficas ya desde tiempos contemporáneos al personaje, como la que realizó Giotto en la Capilla del Bargello. Célebre es el Dante y su Divina Comedia (1465), obra de Domenico di Michelino conservada en el Duomo de Florencia o el retrato que incluyó Andrea del Castagno entre su colección de Florentinos ilustres (Uffizi, hacia 1450).
      Numerosos artistas de todos los tiempos crearon ilustraciones sobre Dante y sus obras, destacan Botticelli, Gustave Doré,Salvador Dalí, Miguel Ángel, el inglés William Blake, el italiano Gioacchino Antonio Rossini y el alemán Robert Schumann, entre otros. La escultura conocida como El Pensador de Rodin fue bautizada originariamente por Rodin como Dante pensando en las puertas del infierno

      Aunque se conoce popularmente como El Pensador. La iconografía de Las Puertas del Infierno obra dAuguste Rodin está basada en La Divina Comedia de Dante y en los poemas de Baudelaire de su obra Las flores del Mal, tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena. También Rodin nos presenta en su obra El beso (Le Baiser), en un principio llamada Francesca de Rimini. a uno de los personajes del Infierno de Dante que se enamoró del hermano de su marido, quien les descubrió y asesinó. fuente:biografiasyvidas.com

                         !HONOR, A QUIEN HONOR MERECE!