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domingo, 31 de mayo de 2015

RAFAEL MONASTERIOS

                                                  RAFAEL MONASTERIOS

Pintor. Hijo de Pedro Monasterios Herice, dibujante y calígrafo, y Amalia Ramos. 

Huérfano de padre, Juan Pablo Wohnsiedler se encarga de su educación y lo inscribe en las primeras clases de pintura de Eliécer Ugel en 1891 sin embargo, en 1901 se unió a las fuerzas de la revolución Libertadora, que se levantaron en contra del gobierno de Cipriano Castro, bajo las órdenes del coronel Eleazar Segovia. 

Derrotado el movimiento insurreccionista, Monasterios regresa a Barquisimeto. En 1906 participó en la "Exposición regional de Lara", donde recibió una mención honorífica por una copia de un paisaje. Dos años después, en 1908, se traslada a Caracas con una pensión del gobierno del estado y se inscribe en la Academia de Bellas Artes. Entre sus condiscípulos se encuentra Manuel Cabré, quien lo retrata en 1909 (colección GAN). 

A fines de 1910 llega a España para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de La Lonja de Barcelona. Entre 1911 y 1912 estudia dibujo del natural y perspectiva con Vicente Climent y José Calvo, y al año siguiente colorido, composición y dibujo del natural con Vicente Borrás Abello y Vicente Climent. Desde Europa envía una obra al I Salón Anual del Círculo de Bellas Artes, celebrado en 1913, que fue considerada por Leoncio Martínez como "una mancha de paisaje, ligera, confusa" (El Universal, 10 de septiembre de 1913). Se residencia en Madrid una temporada y decide viajar a París, pero los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial lo hacen regresar a Venezuela en 1914. De Europa extrajo las imágenes y la técnica de las nuevas tendencias y el recuerdo de Zuloaga, Sorolla y Regoyos, que se traslucen en su etapa de mediados de la década de 1918.

Tras su regreso, Monasterios se residencia en Barquisimieto, donde realiza, para subsistir, decoración de interiores, adornando con estampas los muros de residencias privadas. De esta etapa es su decoración de la cúpula del templo de San Juan de Cabudare, donde representó a los cuatro evangelistas en el techo, hoy desaparecido. También realizó un mural de tema urbano en la casa de Pío Tamayo en El Tocuyo, y decoró la casa del general Jacinto Fabricio Lara en Barquisimeto. En Caracas decorará la residencia de la familia Otengo y en Capaya la capilla de la hacienda Pacheco. Para 1917 se encuentra en Caracas, donde coincide con los integrantes del desfalleciente Círculo de Bellas Artes, algunos de ellos antiguos condiscípulos de la Academia de Bellas Artes.

Monasterios trabaja en el Cajón de Monos, el taller del Círculo ubicado en el barrio de Pagüita, y realizó pinturas al aire libre. En 1918 exhibió por primera vez un cuadro, Corral detrás del Teatro Caracas (colección Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas), en el salón de la Fotografía Manrique. La obra es adquirida por Nicolás Ferdinandov, con quien establece una fecunda amistad: viajan juntos a Margarita, donde se dedicaron a pintar paisajes margariteños, preocupándose primero por la luz y luego por el factor del tiempo.

El 16 de enero de 1920 se realiza una "anticipación de vernissage" en el que se abre una singular exposición organizada por Ferdinandov con obras propias, de Reverón, Monsanto y Monasterios en el gran salón de la UCV (Actualidades, 19 de enero de 1920). Monasterios presentó en esa ocasión unas 30 telas realizadas tras un corto viaje a Margarita, donde realizó paisajes que fueron celebrados por la prensa (Actualidades, 15 de febrero de 1920).

El pintor se mudó a la pensión de los Linares Carvajal, donde conoció a Isabel Teresa Linares, con quien se casa en 1920. Una hija de ambos, Violeta Monasterios Linares, llegará a ser subdirectora de la Escuela Cristóbal Rojas. Su pintura en aquella época era considerada decorativa (E.M., 1920). Por entonces Monasterios colabora en diversas publicaciones, ilustrando artículos; también pintó afiches y carteles de cine. Practicó el dibujo humorístico libre y el dibujo publicitario. En 1921 publicaba dibujos en Billiken (3 de diciembre) y en marzo de 1922 excelentes escenas taurinas en la revista Actualidades (números 12 y 13). De esta época es Paisaje de Los Caobos (1924, colección GAN). Para 1925 envía algunos cuadros a una exposición de pintura española en Suiza.


En 1927 conoce la colección de arte de John Boulton, en la cual estudió a los impresionistas y a los pintores de la escuela de París. A partir de ellos concibió un nuevo concepto de composición: el blanco en el centro del cuadro se convertiría en adelante en el punto de equilibrio entre ambos lados. Este esquema compositivo permanecerá por muchos años en la obra del artista. También en 1927 realiza su primera exposición individual con cuarenta telas de tema local. En 1928 trabaja para la Caribbean Petroleum Corporation, que le encomendó la realización de algunas maquetas de campos petroleros que iban a ser enviadas al Pabellón de Venezuela en la Gran Feria Internacional de Sevilla (España). Estando en Maracaibo, trabajando en ese proyecto, recibe la noticia de la muerte de su esposa. Monasterios se traslada a España y permanece en ese país un año. En 1930 inicia su etapa de bodegones, en la cual se deja ver la influencia de Federico Brandt. Ese año es nombrado profesor de pintura y paisaje de la Academia de Bellas Artes, cátedra que ocupará hasta 1936.

En 1932 pintó tres murales en la Capilla del Santísimo Sacramento del templo de San José en Cagua (Edo. Aragua). Los motivos fueron tres escenas del Nuevo Testamento: el lateral derecho, el tema de las Bienaventuranzas; el lateral izquierdo, la entrada de Jesús en Jerusalén, y el tercer mural, el tema del Calvario. Roldán Esteva-Grillet, al comentar esta faceta del artista ha señalado: "es de advertir que resulta del todo inútil tratar de reconocer en estas imágenes algún indicio particular de la pintura monasteriana más conocida y significativa, la de caballete. Rafael Monasterios y Rafael Ramón González [partícipe también en la decoración de la iglesia] más que una obra de sello personal pusieron sus buenos oficios académicos al servicio de una decoración" (1988, p. 72). En 1938 fue designado director de la Escuela de Artes Plásticas de Barquisimeto, que hoy lleva su nombre.


En 1940 regresa a Caracas y retoma el oficio de realizador de carátulas de revistas y avisos. Al año siguiente vuelve a las actividades pedagógicas, ejerciendo el papel de director de la Escuela de Artes Plásticas del Zulia. También en 1941 recibe el Premio Oficial de Pintura en el II Salón Oficial con su obra El torreón de Caricuao, fechado en 1930 (colección GAN). En 1942 se encuentra en Caracas dictando la cátedra de dibujo aplicado en la Escuela Superior de Artes y Oficios para Mujeres (Caracas). Ocho obras suyas fueron expuestas en la "Exposición del paisaje venezolano" de 1942 en el MBA, entre ellos su Silla de Caracas de 1917. Al año siguiente viaja a los Andes y en 1948 a Valencia y Maracay.

Alfredo Boulton organiza en 1945 una exposición de su obra en el MBA en la cual reunió 35 obras, la mitad de ellas paisajes andinos. Para los años cincuenta, Monasterios había expuesto en Bogotá y Nueva York, participando activamente en los salones nacionales y en muestras en el exterior. En 1954 forma parte del envío venezolano a la Bienal de Venecia; ese mismo año figura en la II Bienal de Arte Hispanoamericano en La Habana y, en 1955, en la "Exposición internacional de pintura" organizada por el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo). En 1956 es incluido nuevamente a la Bienal de Venecia, esta vez entre obras de artistas jóvenes que incursionaban en el abstraccionismo (Alejandro Otero, Mateo Manaure). Monasterios es jubilado por el ME en 1957 y organiza su primera retrospectiva en la cual estaba presente su amplia temática: desnudos, bodegones, paisajes, retratos y escenas costumbristas. 

Boulton vuelve a organizar una nueva muestra del artista con su producción paisajística. En 1960 regresa a Barquisimeto, donde realiza sus últimas obras antes de fallecer al año siguiente. Su vida como pintor tuvo grandes altibajos; sus obras comenzaron a ser valoradas a partir de los años veinte en la cual realizó retratos y cuadros de tema criollista (como La fiesta de San Juan, 1924, colección Margot de Alfonso Ravard), que esporádicamente siguieron apareciendo en su producción, además de sus primeros paisajes. Su preocupación por aquel entonces era el color, sus pinceladas buscaban una textura entre la materia pictórica y los granos del lienzo. En la etapa de los bodegones y las naturalezas muertas (1930), la pincelada se hace más liviana y comienza a trabajar tonos más claros. Al volver a su ciudad natal, sus paisajes cambian, se hacen más planos, la composición más abierta y exenta de detalles.

Al final de su producción paisajísitica, el artista logró conseguir una composición sintetizada que capturaba la esencia de la luz. De su obra él expresó: "mi principal preocupación es lograr el equilibro en la luz y el color del paisaje, y estos detalles los he estudiado a fondo" (Pineda, 1950). Alfredo Planchart se refirió a Monasterios en los años treinta en los siguientes términos: "si generalmente interpreta el color descomponiéndolo, no por eso llega a un divisionismo típico; su afán de luminosidad y su modo de resolverlo lo declaran influido por la estética impresionista; en algunos de sus últimos trabajos se presenta más claramente bajo otra faz, apuntada ya en obras anteriores, tratando la composición por grandes planos de color y estudiando a fondo esos planos, para colocarlos en su propio ambiente y lugar. Como la pincelada de Monasterios es siempre breve, cuando quiere llenar espacios donde la luz tiene cambios súbitos e imprecisos, recurre al empleo de varios toques repetidos de colores cambiantes" (1979, p. 230).


"Pintura"

  • Meseta de Tovar. 1945. Óleo sobre tela. 59 x 75 cm.
  • Desde la quebrada Guárico. 1939. Óleo sobre tela. 77 x 99,5 cm.

"Exposiciones_individuales"

  • 1927 Club Venezuela, Caracas
  • 1945 "Cuadros de Rafael Monasterios", MBA
  • 1948 Escuela de Artes Plásticas, Barquisimeto
  • 1956 Galería Lauro, Caracas / Centro Teatral de Maracay
  • 1958 Sala Mendoza
  • 1961 Escuela de Artes Plásticas Rafael Monasterios, Maracay


Exposiciones póstumas

  • 1968 "Cuarenta obras maestras de Rafael Monasterios", MBA
  • 1970 "Vida y obra", BN
  • 1971 "Homenaje al maestro Rafael Monasterios", Galería Durban, Caracas
  • 1981 "Obras maestras de Rafael Monasterios", MACC / "Exposición homenaje al vigésimo aniversario de la muerte de Rafael Monasterios", Galería de Arte Universitaria Rafael Monasterios, Ucla
  • 1984 "Regiones para la imagen", GAN
  • 1985 "Tres hombres; un tiempo; una ciudad", Museo de Barquisimeto



Premios


  • 1906 Mención honorífica, "Exposición regional del estado Lara", Barquisimeto
  • 1937 Diploma y medalla de plata, "Exposición internacional", París
  • 1941 Premio Oficial de Pintura, II Salón Oficial
  • 1948 Premio Cristóbal Rojas, II Salón Anual de Artes Plásticas, Instituto Cultural Venezolano Soviético, Caracas
  • 1949 Premio Arístides Rojas, X Salón Oficial / Segundo premio, Salón Planchart
  • 1950 Primer premio, Salón Planchart
  • 1951 Premio Antonio Edmundo Monsanto, IX Salón Arturo Michelena
  • 1955 Premio José Gil Fortoul, XVI Salón Oficial
  • 1956 Tercer premio, II Salón Julio T. Arze
  • 1957 Premio Federico Brandt, XVIII Salón Oficial / Premio Julio T. Arze, XVIII Salón Oficial
  • 1958 Premio Armando Reverón, XIX Salón Oficial
  • 1960 Premio Rotary Club, Caracas
  • 1961 Primer premio, VII Salón Julio T. Arze


Colecciones


  • Banco Mercantil, Caracas / BCV / BN / Centro de Historia Larense, Barquisimeto / Colección Cisneros, Caracas / Escuela de Bellas Artes, Barquisimeto / Fundación Boulton / GAN / INH / Instituto de Cultura, UCV / MBA / Museo Caracas, Palacio Municipal, Caracas / Residencia Presidencial La Casona, Caracas

Fuentes

  • Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, II. Caracas: Editorial Arte, 1968. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
  • Boulton, Alfredo. La obra de Rafael Monasterios. Caracas: Gráficas Edición de Arte, 1969.
  • Calzadilla, Juan. Pintores venezolanos. Caracas: ME, 1963.
  • Calzadilla, Juan. Pintura venezolana de los siglos XIX y XX. Caracas: Litografía Tecnocolor, 1975.
  • Calzadilla, Juan. Rafael Monasterios. Caracas: ME-Sociedad de Amigos del MBA, 1962.
  • E.M. "El pintor Monasterios". Citado en: Planchart, Alfredo. La pintura en Venezuela. Buenos Aires: Imprenta López, 1956. Segunda edición en Caracas: Editorial Equinoccio, 1979. Publicado originalmente en: Actualidades. Caracas, febrero de 1920.
  • Erminy, Perán y Juan Calzadilla. El paisaje como tema en la pintura venezolana. Caracas: Shell de Venezuela, 1975.
  • Esteva-Grillet, Roldán. Rafael Monasterios. Un artista de su tiempo. Caracas: Tropykos, 1988.
  • Palenzuela, Juan Carlos (compilador). Leoncio Martínez, crítico de arte 1912-1918. Caracas: Academia Nacional de la Historia, 1983.
  • Paz Castillo, Fernando. Entre pintores y escritores. Caracas: Editorial Arte, 1970.


Créditos


  • Galería de Arte Nacional (GAN):
  • Carlos Eduardo Morillo. Estudiante de la Licenciatura en Historia del Arte en la Universidad de los Andes. Fuente:wikipedia.org

                   ¡HONOR, A QUIEN HONOR MERECE!

TEO CAPRILES


                                                          TEODORO CAPRILES
TODA UNA LEYENDA

Teo Capriles es el nombre que recibe una instalación deportiva multipropósito "El Velódromo" localizada en la Avenida Intercomunal de Montalbán en el sector de El Paraíso en el Municipio Libertador en el Distrito Capital, al oeste del Área metropolitana de Caracas y al norte del país sudamericano de República Bolivariana de Venezuela.
Es usado habitualmente para la practica de deportes como el Ciclismo o el patinaje y para actividades sociales y culturales diversas.  Se encuentra cerca de la sede del Instituto Nacional de Deportes de Venezuela, del Cocodrilos Sport Park y el Polideportivo La Veguita y el conjunto residencial La Pradera, entre la Avenida Teherán y la calle San José. La Estación de metrobús Velódromo permite un fácil acceso al lugar.
Recibe su nombre en honor de Teo Capriles un destacado ciclista, atleta, músico, pintor y nadador caraqueño que falleció en1982. En esta instalación se desarrollaron  los eventos de Ciclismo de Ruta de los Juegos Panamericanos de 1983 y el Ciclismo de Pista y Patinaje de Velocidad de los Juegos Juveniles Nacionales de Venezuela en 2013.

Para muchas generaciones de venezolanos, la figura de Teodoro "Teo" Capriles está asociada a los pioneros del deporte en el ámbito olímpico. De hecho, estuvo a punto de ser el primer venezolano en las olimpíadas Berlín 1936, pero la inexistencia de un comité en nuestro país no lo hizo posible.

Capriles es figura precursora del ciclismo, junto con soñadores de la talla de los periodistas Jesús Eduardo Lizarrraga y Simón B. Rodríguez, "Mr. Fly". Pero el torrente de voz del tenor Capriles no pasó desapercibido para genios musicales como Vicente Emilio Sojo y Antonio Estévez. 

 Fue así como el héroe deportivo fue el primer Florentino, el primer tenor solista de la mítica "Cantata criolla" estrenada en 1954, junto con el maestro Antonio Lauro, bajo y quien fue su antagonista en el papel del Diablo. Ambos están considerados como la mejor pareja de intérpretes de esa magistral pieza. Capriles dejó una fecunda cosecha de deportistas y artistas para bien de la nación.fuente:el universal


ENTORNOINTELIGENTE.COM / Teodoro Capriles, más conocido como Teo, es considerado el pionero del ciclismo en Venezuela. Nació en la parroquia La Pastora, de Guanábano a Amadores, el 22 de junio de 1907. Fue un apasionado del deporte y sus ratos libres los dedicaba a la pintura. 

Muy joven comenzó a practicar atletismo, el cual tuvo que abandonar debido a una lesión, y empezó a dedicarse a la natación. Sin proponérselo desarrolló habilidades con la bicicleta que utilizaba para ir de su casa a los entrenamientos en la piscina. 

Comenzó a mostrar su talento en el torneo La Vuelta al lago de Valencia y en 1934 ganó la carrera entre la Calle Real de Sabana Grande y el Club La Florida, donde hoy está la iglesia Chiquinquirá. No tenía entrenador. Su preparación la hace pedaleando los sábados desde Caracas hasta Valencia, para regresar los domingos. Los que lo conocieron afirmaban que "todo lo que hacia lo hacia bien" y que había demostrado condiciones naturales, constancia y disciplina para el deporte de las bicicletas. 

Su vida deportiva adquirió forma competitiva a los 25 años, una edad avanzada para el ciclismo actual, pero para la época, años treinta, fue una osadía porque no existía la noción de ciclismo como una actividad competitiva importante. En 1936 viajó a Alemania para participar en los Juegos Olímpicos de Berlín, pero no pudo competir porque Venezuela no estaba inscrita en el Comité Olímpico Internacional. A pesar de los obstáculos, decidió buscarle el lado positivo y se quedó en tierra germana, donde aprendió todo lo que tenía que ver con la disciplina deportiva. De regreso a Caracas creó la Federación Venezolana de Ciclismo. Le acompañaron Simón B. Rodríguez "Mr Fly", Justino Pelayo y Juan Rivas. 

1938: Año de la consagración. 

Capriles fue uno de los 6 ciclistas que acudió por Venezuela a los Juegos Centroamericanos y del Caribe de 1938 que se disputaron en Panamá. Compitió en el maratón de 100 kilómetros, prueba que ganó en individual y por equipo al lado de Federico Curtois, Jesús Delgado y Julio Heredia. 

"Teo llegó al Velódromo de Bogotá sin ínfulas de imbatible. Sólo quería demostrar a los 31 años, y en la inauguración de los primeros Juegos Bolivarianos, algo de sus capacidades como pedalista. 

Sabía que estaba entrado en edad, pero también sabía que era el mejor. Nadie se lo discutió. La cita multidisciplinaria fue determinante en su vida, ya que se convirtió en el primer venezolano en alcanzar 5 títulos en la historia de la especialidad". Héroes del deporte venezolano. Archivo El Nacional En agosto de ese año representó al país en los Juegos Bolivarianos de Bogotá, los primeros en honor al Libertador. 

Allí arrasó con 4 medallas de oro. La primera la alcanzó en la carrera de 1 kilómetro contrarreloj. Detuvo los cronómetros en 1 minuto, 8 segundos y 2 décimas, y estableció récord centroamericano. 

Volvió a las andanzas y en el segundo día de competencia se colgó otra presea dorada, en la carrera Scratch de 1.000 metros. 

El evento se celebró en la avenida Caracas de Bogotá. Buscó otro éxito áureo y lo consiguió en la prueba de persecución de 4.000 metros. 

Junto con los ciclistas De La Madriz, Alade y González, subió a lo más alto del podio tras un tiempo de 4 minutos, 31 segundos y 4 décimas. 

Ambicioso dentro de las pistas, a Capriles le faltaba otra prueba: la de 100 kilómetros sobre carretera. El venezolano demostró todo su talento debido a que su oponente, el peruano Bermejo, llegó 13 minutos más tarde a la meta. 

Jaime Bustamente, presidente de la delegación venezolana, declaró a la prensa colombiana: "Capriles ha demostrado una gran preparación para ganar y un gran amor por la bandera venezolana. Quedó demostrado que es uno de los mejores de Suramérica y el resto del continente"

Finalmente, y luego de tanto pedalear las calles y pistas de Venezuela y el exterior, el ciclista se retiró a los 40 años de edad. Relataba con mucha sencillez que no sabía dónde se encontraban sus medallas, pero que más importante era lo que podía hacer. Su nombre figura en el Salón de la Fama del Deporte Venezolano. Su amor por las disciplinas deportivas se la inculcó a sus hijos. Fue solista y miembro fundador del Orfeón Lamas. 

Pintó más de 300 obras dedicadas al paisaje venezolano, en las que sobresalen la serie de denominada Casas, casitas e iglesias coloniales. Murió el 27 de enero de 1982. 

MAIDELYS CHÁVEZ 
machavez @el−nacional.com www.entornointeligente.com


              ¡HONOR, A QUIEN HONOR MERECE!



DA. ANA TERESA TORRES

                                               ANA TERESA TORRES

Nació en la ciudad de Caracas, Estados Unidos de Venezuela, el 6 de julio de 1945. Licenciada en Psicología por la Universidad Católica Andrés Bello. 

Psicoanalista de la Asociación Psicoanalítica Internacional. Ex profesora de la Escuela de Psicología de la Facultad de Humanidades y Educación de la Universidad Central de Venezuela.


Obra publicada

El exilio del tiempo (1990, novela). Caracas: Monte Ávila Editores; Doña Inés contra el olvido (1992, novela). Caracas: Monte Ávila Editores; Los últimos espectadores del acorazado Potemkin (1999, novela). Monte Ávila Latinoamericana; Malena de cinco mundos (2000, novela). Caracas: Editorial Blanca Pantin; Nocturama (2006, novela). Caracas: Alfa; El hilo de la voz. Antología crítica de escritoras venezolanas del siglo XX (2003). Caracas: Fundación Polar. Coautora con Yolanda Pantin; Historias del continente oscuro. Ensayos sobre la condición femenina (2007). Caracas: Alfa.

Premios

  • Premio de Cuentos del diario El Nacional, 1984;
  • Premio de Narrativa del Concejo Municipal del Distrito Federal de Caracas, 1991
  • Premio de Narrativa del Consejo Nacional de la Cultura, 1991; 
  • Premio de Novela de la I Bienal Mariano Picón-Salas, Mérida, 1991;
  •  Premio Pegasus de Literatura a la mejor novela venezolana de la década, 1998;   Premio Anna Seghers, Berlín, 2001.


Coordinadora de la Comisión de Literatura de la Academia Venezolana de la Lengua (2006)- Se incorporó a la Academia Venezolana de la Lengua el 16 de enero de 2006 con el discurso Consideraciones acerca de la conciencia intelectual. Ha sido residente del Bellagio Study; Conference Center de la Fundación Rockefeller, 1998, y presidenta del Pen de Venezuela (2003-2005).Fuente:www.letralia.com

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JOHNNY ALBERTO CECOTTO PERSELLO

                                                                                      JOHNNY A CECOTTO


Johnny Alberto Cecotto Persello nacido el 25 de enero de 1956 en Caracas, Estados Unidos de Venezuela, es un piloto de motociclismo y automovilismo, dos veces campeón mundial de motociclismo y conductor de Fórmula 1. Es padre del también piloto Johnny Cecotto, jr.


Carrera deportiva
En motociclismo: Este hijo de inmigrantes italianos, es una de las pocas personas que ha competido en los grandes premios de motociclismo y automovilismo. Junto con Ivan Palazzese (otro italo-venezolano de renombre en el motociclismo) obtuvo galardones a nivel internacional para Venezuela.

Cecotto había ganado el Campeonato Nacional Venezolano en 1973 y 1974, cuando en 1975 saltó a la fama internacional en la carrera de motocicletas Daytona 200, rindiendo uno de los más grandes desempeños de la historia del evento. Compitiendo como un virtual desconocido a bordo de una Yamaha TZ700, cliente del equipo del importador venezolano de Yamaha Venemotos, y empezando en último lugar en la parrilla de salida, Cecotto superó a casi todos los demás competidores hasta colocarse en el tercer lugar, relegando al quince veces campeón mundial de la época, Giacomo Agostini, al cuarto lugar en el proceso.

Después de Daytona, Cecotto llegó a Europa para competir en el Campeonato Mundial de Motociclismo, donde continuó su ascenso ganando las carreras de 250cc y 350cc en su primer Gran Premio en Francia. A los diecinueve años de la edad, se convirtió en el campeón mundial más joven en la historia del motociclismo al ganar el título de 350cc. Cecotto volvió a Venezuela, donde tuvo una bienvenida de héroe, con miles de venezolanos llenando la ruta desde el aeropuerto a Caracas.

En 1976, Cecotto volvió a Daytona, ahora con apoyo total de Yamaha y la escudería Venemotos. Esta vez salió victorioso después de una lucha con el campeón estadounidense Kenny Roberts. En la temporada de Grand Prix de 1976, perdió su corona de 350cc en una apretada batalla con Walter Villa. Al principio de la temporada1977, resultó gravemente herido en un accidente ocurrido en el Gran Premio de Austria, accidente que costó la vida del competidor suizo Han Stadelmann. Cecotto terminó tercero en la persecución del título de 500cc y agregó el Campeonato Mundial de 750cc a sus títulos mundiales. 

En 1979 sufrió una rotura de rótula en el Gran Premio de Austria, en Salzburgring, y perdió la mitad de la temporada. Cecotto siguió corriendo en la temporada de Grand Prix de 1980, pero las consecuencias de sus numerosas heridas comprometieron su carrera. Después de dicha temporada, decidió dejar el motociclismo para seguir su carrera en las competencias automovilísticas.

En automovilismo

En las cuatro ruedas, Cecotto debutó con el equipo Minardi en el Campeonato de Fórmula 2 de 1980. En la temporada de 1982, manejando para el equipo de March Engineering, ganó tres carreras y terminó la temporada empatado en el primer lugar con su compañero de equipo, Corrado Fabi, pero fue clasificado como segundo por el sistema de puntuación. No obstante, su desempeño llamó la atención y le fue ofrecido un asiento en Fórmula 1 para el año siguiente. Allí, Cecotto tomó parte en 23 grandes premios, debutando en el 13 de marzo de 1983 con el equipo Theodore. Tuvo un comienzo prometedor, con un sexto lugar ya en su segunda carrera. Sin embargo, el equipo sufrió una falta de financiación y fue forzado a quedarse fuera en las dos citas finales. Para la temporada de 1984 se unió al equipo Toleman, teniendo a Ayrton Senna como compañero de equipo. En las clasificaciones para el Gran Premio de Gran Bretaña tuvo un serio accidente, rompiéndose ambas piernas, terminando así su carrera en la Fórmula 1.

En una confesión registrada en una entrevista en el semanario italiano Autosprint, Ayrton Senna reconocía que el compañero de equipo más competitivo que jamás tuvo fue Johnny Cecotto.[cita requerida]

Después de recuperarse de sus heridas, Cecotto volvió a la competencia en la categoría de turismos, ganando el campeonato italiano de 1989. De 1988 a 1992, Cecotto compitió en el Deutsche Tourenwagen Meisterschaft y manejando un BMW M3 del equipo Schnitzer, terminó en segundo lugar en la temporada de 1990 y acumuló 14 victorias. En 1994 y 1998, ganó el Campeonato Alemán de Superturismos para BMW, logrando un total de 12 victorias. En 2001 y 2002, cambió al Irmscher Opel Omega y ganó el campeonato alemán Star V8.

Su hijo mayor, Johnny Cecotto Jr., corrió desde el año 2006 en Fórmula 3 en Alemania, pero su primer gran éxito llegó en 2012, de la mano de la escudería Barwa Adax en el trazado urbano de Mónaco, al ganar en la categoría de monoplazas GP2 a los 22 años de edad.fuente:wikipedia.org

Su hijo pequeño, Jonathan Alberto, también ha empezado a correr en karts.


               ¡HONOR, A QUIEN HONOR MERECE!




sábado, 30 de mayo de 2015

PEDRO CENTENO VALLENILLA

Caballero de la Corona de Italia
PEDRO CENTENO VALLENILLA

Nació en Barcelona, estado Anzoátegui, Estados Unidos de Venezuela, el 13 de junio de 1904 y fallece en la ciudad de Caracas,República de Venezuela  el 14 de agosto de 1988.

Pintor. Hijo de Melchor Centeno Graü y Hercilia Vallenilla Lanz. Hacia 1883 su familia se establece en Caracas. El 25 de septiembre de 1913 formaliza su inscripción en la Academia de Bellas Artes, donde tendrá como profesores a Cruz Álvarez García en escultura, Antonio Herrera Toro en pintura y, tras la muerte de éste en 1914, a Cirilo Almeida Crespo. 

Este último (venido de Inglaterra y devoto prerrafaelista), ejercerá una gran influencia en su formación.

El 1 de agosto de 1915 expone en la Fotografía Manrique tres obras: Cabeza de estudio para el Mercader de Venecia, Lucrecia del Tiziano y Colón frente al mar. 

El miércoles santo de 1917 fue bendecida La agonía de Jesús por monseñor Rincón González, arzobispo de Caracas, obsequiada por el artista a la basílica de Santa Teresa de Caracas. Muchas de sus obras realizadas antes de trasladarse a Italia en 1923 expresan contenidos formales e ideológicos del movimiento simbolista. En 1923 expone en el Club Venezuela, es nombrado agregado civil a la Legación de Venezuela en Roma, donde se establece.

Es en Roma donde se dedica al estudio del arte primitivo italiano y del Renacimiento y, en especial, de la obra de Miguel Ángel. Su permanencia en Italia coincide con el ascenso del fascismo y el tipo de arte figurativo que éste propugnaba, con sus figuras heroicas, el culto al héroe y sus desnudos masculinos no pocas veces amanerados. 

En 1926, con La madre y San Sebastián, Centeno figura en la exposición "Cultori e amatori d'arte" (Roma). Este año pinta además Sinfonía heroica. A finales de 1926 se traslada por unos meses a Venezuela y, en 1927, expone 13 obras en la Sala de los Escudos del Museo Nacional de Bellas Artes. "Pedro Centeno está lejos de ser un artista criollo, en el estrecho sentido del vocablo. En sus lienzos no se encuentran manoseados motivos vernáculos: hasta el mismo paisaje, tan explorado entre nosotros, seduce poco al pintor" (Corao, 1927). La madre, Sinfonía heroica, San Sebastián, El hombre de la esmeralda y El victorioso fueron algunas de las obras expuestas. 

A mediados de 1927 regresa a Roma y, en 1928, participa con tres pinturas en la "Primera exposición de artistas latinoamericanos residentes en Italia". Para entonces empieza a explorar en Roma la temática americanista, con obras como Maya y Sinfonía tropical, donde combina tipos americanos y europeos, o más adelante, Quetzalcóatl (1931). En 1929 realiza un corto viaje a España y, a su regreso a Italia, por resolución del MRE, el 13 de junio es designado secretario de la legación venezolana ante el Vaticano. El rey de Italia, Víctor Manuel III, por petición del jefe de gobierno, Benito Mussolini, lo nombra caballero de la corona de Italia. 

En 1930 toma parte en la "Segunda exposición de artistas latinoamericanos residentes en Italia" con cinco obras: El arcángel Miguel, El entierro del héroe, El sueño de Adán, Ícaro y un San Sebastián (hoy en la Santa Capilla, Caracas). Con Brujerías logra una mención honorífica en la Exposición Internacional de Lieja, Bélgica. En 1931 realiza su primera exposición individual en Europa, 20 dibujos en la Casa de España en Roma. A finales de año retorna por pocos meses a Venezuela y, en 1932, expone en la Academia de Bellas Artes. En esta oportunidad, Julio Morales Lara escribió que su pintura "está al margen de recientes escuelas. Sus dibujos son impecables, demuestran un dominio asombroso y sus pinturas —de un clasicismo neto— nos hacen pensar en los maestros italianos dueños de la clásica heredad pagano-cristiana". 

A su vez, el escultor Pedro Basalo opinó para ese entonces que Centeno no daba en sus obras pictóricas importancia al paisaje (a pesar de su uso frecuente), sino sólo a fondos en los que se destacaban elementos empleados en la confección de sus escenas. Esta misma característica señalaba las dificultades que tenía que vencer debido a la pulcritud con la que ejecutaba los contornos de sus figuras.

 A su regreso a Italia, a mediados de 1932, toma parte en la "Exposición internacional de arte sagrado moderno" en Padua. Asimismo, obsequia La sombra (1930), con imágenes de san Sebastián, san Francisco de Asís y san Antonio de Padua a los padres capuchinos de la Iglesia de Nuestra Señora de las Mercedes de Caracas. En 1933, por encargo del gobierno venezolano y con destino al Salón Elíptico del Palacio Federal (Congreso de la República, Caracas), pinta el retrato del prócer Lino de Clemente. En 1935 expone en el Palacio Doria, en Roma. Sobre las obras de estos años, Francisco Da Antonio escribió: "una racha amarga, desolada, cruza por estos tiempos la mirada de Pedro: Uno de tantos, La guitarra negra, el Canto V y El crucificado son telas, si bien un tanto efectistas, ciertamente dramáticas [...]. Algunas otras acusan también un terroso cromatismo y se inscriben en ámbitos (La copla llanera) o en atmósferas (Melancolía india) tensas u opresivas. La pincelada sigue siendo densa y texturada y el color macerado y sonoro aun en zonas reservadas a las sombras" (1991).


En julio de 1938 retorna a Venezuela; en octubre expone en el Ateneo de Caracas y en 1939 en el Ateneo de Valencia (Edo. Carabobo). Dona a la Catedral de Caracas una imagen de san Sebastián y realiza las decoraciones para el catafalco destinado a los funerales de Pío XII. En este mismo año, regresa a Italia y en 1940 se radica en Nueva York, donde permanece hasta 1942. El 24 de febrero de 1940 se inaugura la nueva sede de la Embajada de Venezuela en Washington, en la que son colocadas varias de sus obras: cuatro grandes figuras pedestres en el Salón de Recepciones (Simón Bolívar, Francisco de Miranda, Alonso de Ojeda y Guaicaipuro); El pequeño dios blanco en la segunda planta, y El trópico, que se conserva en la Embajada de Venezuela en Brasilia. 

"Un nuevo factor va a intervenir en la definición de su estilo: la radicalización de lo escultórico en el tratamiento de las formas y la subsecuente producción de un repertorio de imágenes a modo de los restos materiales —torsos, cabezas, fragmentos— de la plástica greco-latina, animados, no obstante por la sensualidad gestual del movimiento. Esa necesidad de magnificar el pormenor, esas grandes secciones corpóreas, podrían remitirse a ciertas obras anteriores, como el Canto V y El beso, ambas de 1936, donde los torsos parecen como vistos en un gran primer plano que corta, a nivel de los hombros y la pelvis, las figuras en acción; Semejanzas y contrastes, Los gemelos de mito, Fragmentos, La dama en negro y Génesis son algunas de las numerosas composiciones surgidas en ese decisivo tránsito en Nueva York. Pero ahora los contenidos, además de simbólicos, asumen ciertas categorías emblemáticas y también alegóricas" (Da Antonio, op. cit.). A mediados de 1940, participa en la "Exposición de arte latinoamericano" en el Museo Riverside (Nueva York), que reúne obras de artistas de México, Ecuador y Venezuela. En 1942 expone en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York, Estados Unidos), y a fines de este año retorna a Venezuela.

En 1943 expone 29 obras en el Ateneo de Caracas, en las que fragmenta los cuerpos a manera de esculturas vivas, entre ellas Su majestad el Negro Miguel y El Génesis. Centeno inicia para esa época una serie de caciques locales cuya interpretación no es exclusivamente heroica, ya que aporta al "nativismo" que dominaba gran parte del arte latinoamericano de entonces, un acabado simbolista. En 1944 abre el Estudio Centeno, taller de miniaturas (más tarde de pintura y dibujo); realiza para la capilla del Colegio Santa Rosa de Lima tres imágenes: Santa Catalina de Siena, Santo Domingo de Guzmán y Santa Rosa de Lima, y lleva a cabo el que se supone su primer trabajo en lápices de colores, Sinfonía malembe. En 1946 realiza dibujos para ilustrar Vuelta a la patria de Juan Antonio Pérez Bonalde y Canto a España de Andrés Eloy Blanco (publicados en la revista El Farol) y pinta un mapa mural para el BCV (in situ). En enero de 1947, en el Palacio del Libro (Caracas), se exhiben los óleos originales de las portadas de los libros de tema indigenista del escritor Arturo Hellmunt Tello, Leyendas indígenas parianas y Leyendas indígenas del bajo Orinoco, entre ellos. Con Eduardo Francis, Carlos Otero y otros pintores y escultores, Centeno promueve y funda la AVAPI, conocida como Los Independientes, para ofrecer una alternativa frente a la discriminación de los jurados del Salón Oficial. Hasta 1960, la asociación organizó un salón anual sin premios, medallas ni jurados.

Después de 1948 y el ascenso de Marcos Pérez Jiménez, quien apoyó los motivos nacionalistas, Centeno tuvo un papel preponderante en la consolidación de una iconografía histórica. En 1951 obtiene la medalla de oro por su Canto olímpico del olivo y el fuego en el certamen de poesía promovido con motivo de los III Juegos Deportivos Bolivarianos, y en 1953 su Canto al hombre americano recibe el primer premio del Centro Literario Filosófico Arca del Sur de Montevideo. En 1954 se inaugura su fresco en el Salón de los Escudos del Capitolio Nacional, diseñada en un ámbito de precisos límites arquitectónicos. En 1955 se anuncia la acuñación de una serie de 12 monedas de oro con las imágenes de caciques diseñados por Centeno, y al año siguiente se agregan seis nuevas, entre ellas, Urimare, la única mujer incluida en esta colección.

En 1956 comienza a trabajar en el proyecto del Círculo Militar de Venezuela, un mural de grandes dimensiones cuya ubicación en un recinto casi tan alto como estrecho le obligó a enfrentar el problema de la longitud, fraccionando la superficie en tres rectángulos, cada uno de los cuales exigía para sí una solución autónoma. "En todo caso el panel de mayor elocuencia sería el de la Conquista, donde todos los elementos enriquecen y dinamizan la acción. El panel central tiende a actuar como el eje de la balanza; su diseño piramidal le imprime, pese a todo, una cierta apariencia de cuadro vivo. El tercero deviene el más espectacular y el de las mayores dificultades intrínsecas, no obstante el impulso de su ritmo compositivo. El binomio árbol-columna resultó aquí un felicísimo recurso mural" (Da Antonio, op. cit.). 

En 1958 pinta un mural en la Iglesia San Juan Bautista, frente a la Plaza Los Capuchinos; ese mismo año entrega a la delegación venezolana en los Juegos Panamericanos de Chicago un dibujo de la pianista Teresa Carreño destinado al Conservatorio de Música de Chicago. Las obras de sus últimos años fueron realizadas sobre tabla, siguiendo técnicas de preparado prerrenacentistas. En 1964, luego de 20 años sin exponer formalmente, Centeno exhibe en la Galería Acquavella de Caracas su serie Tauromaquia, colección de dibujos a lápiz, tinta china y otros materiales. 

Entre 1966 y 1981 participó en diferentes muestras, siendo las más importantes las realizadas en la Galería Acquavella (1967), en la cual todas las obras fueron pintadas sobre tabla negra; en la Galería Il Caravaggio (Caracas, 1974), y en "Indagación de la imagen (la figura, el ámbito, el objeto). Venezuela, 1680-1980. Exposición temática. Primera parte" (GAN, 1980) donde estuvo representado, entre otros cuadros, con una Naturaleza muerta (colección GAN) y con una de sus vírgenes. En 1991, el MACCSI reunió en una "Retrospectiva (1915-1988)", 200 de sus obras, entre murales, pinturas y dibujos. De Centeno Vallenilla la GAN posee Hilandera (1976) y Naturaleza muerta (1980), óleos sobre madera, y Teoría del discóbolo (1950), dibujo de pliego completo en el que muestra todas sus virtudes de gran dibujante.

Obra

Pintura

  • Naturaleza muerta 1930. Óleo sobre madera. 80 X 100 cm. 2 toma 
  • El guajiro. 1938. Óleo sobre tela. 67,6 x 100 cm. FMN. 
  • Fecundidad mural inconcluso. 1942-1943. Óleo sobre tela. 200 x 462 cm. FMN. 
  • Atletas. Circa 1950. Grafito sobre papel. 60 x 40,3 cm. FMN. 
  • Teoría del discóbolo. Circa 1950. Grafito sobre papel. 106 x 76,7 cm. FMN. 
  • Hilandera. la Divina Hilandera. Circa 1976. Óleo sobre madera. 80 x 70 cm. FMN. 
  • Uvas negras. Sin fecha. Óleo sobre tela. 48 x 54 cm. Instituto Nacional de Hipódromos, en comodato. FMN.

Exposiciones individuales

1915 Fotografía Manrique, Caracas
1923 Club Venezuela, Caracas
1927 Museo Nacional de Bellas Artes, Caracas
1931 Casa de España, Roma
1932 Academia de Bellas Artes
1933 Galería Jean Charpentier, París
1935 Palacio Doria, Roma
1938 Ateneo de Caracas
1939 Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo
1942 Universidad de Cornell, Ithaca, Nueva York, Estados Unidos
1943 Ateneo de Caracas
1964 Galería Acquavella, Caracas
1965 Galería Acquavella, Caracas
1967 Galería Acquavella, Caracas
1969 Galería Li, Caracas
1972 Galería Boulevard del Arte, Caracas
1975 Galería Il Caravaggio, Caracas
1976 Galería Sans-Souci, Caracas
1978 Galería Michelena, Caracas
1979 Galería Maison Bernard, Caracas
1981 Galería Antorcha, Caracas
Exposiciones póstumas
1991 "Retrospectiva (1915-1988)", MACCSI

Premios
1916 Diploma de honor, premio de dibujo al yeso, Academia de Bellas Artes
1930 Mención honorífica, "Exposición internacional", Lieja, Bélgica


Colecciones
Capilla del Colegio Santa Rosa de Lima, Caracas / Catedral de Caracas / EFOFAC / GAN / Iglesia de Nuestra Señora de las Mercedes, Caracas / MACCSI / MBA / Museos del Vaticano / Salón Elíptico del Palacio Federal, Congreso de la República, Caracas / Santa Capilla, Caracas
Fuentes
Cinap, C 35.
Da Antonio, Francisco. "Pedro Centeno Vallenilla 1899-1988". En: Pedro Centeno Vallenilla (catálogo de exposición). Caracas: Armitano, 1991.
Créditos

fuente:wiki historia del arte venezolano

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ALBERTO FEDERICO RAVELL

ALBERTO FEDERICO RAVELL



Alberto Federico Ravell  es un ciudadano venezolano, nacido en la ciudad de Caracas, Estados Unidos de Venezuela, el 14 de enero de 1946, periodista  co-fundador de un canal de noticias de Venezuela, Globovision.

Posee una gran experiencia en radio y televisión, desde los 13 años está ligado a los medios de comunicación social, siguiendo los pasos de su padre Alberto Ravell.

Federico Alberto Rangel se ha caracterizado por una posición crítica frente a los gobiernos de Hugo Chávez y Nicolas Maduro.


Entre los años 1968-1969 creó Radio Angostura y Radio Canaima. En 1973 fue designado director de medios de la campaña electoral de Carlos Andrés Pérez y en 1974 cuando Pérez ganó la presidencia, fue nombrado director de la Oficina Central de Información del Gobierno Nacional.


En 1978 fue designado director de medios de la campaña electoral de Luis Piñerúa Ordaz y en 1980 creó la agencia de publicidad Octavo Arte. En 1984 durante el gobierno de Jaime Lusinchi es nombrado director del Canal 8, Venezolana de Televisión. 

Televen



Ravell ayuda a fundar a Televen junto con Omar Camero, Guillermo "Fantástico" González y Gustavo Cisneros en el año 1988; pero debido a la reforma de una ley, que prohibía que una sola persona tuviera más de un canal de televisión o radio, venden sus acciones junto al dueño de Venevisión -Cisneros- y Guillermo González a Camero.
Globovisión

En 1991 junto a Guillermo Zuloaga y Luis Teófilo Núñez, procedieron a solicitar una licencia para canales en banda UHF; y en 1994 Ravell propuso la creación de un canal de noticias en Venezuela; de esa forma nació Globovisión el Canal 33, del que fue director general.
En el 2010, socios mayoritarios de la planta televisiva le pidieron la renuncia de la directiva de Globovisión. fuente: wikipedia.org



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ALBERTO QUIRÓS CORRADI

                                                                                             ALBERTO QUIRÓS CORRADI


Alberto Quirós Corradi nació en los Estados Unidos de Venezuela, el 08 de febrero de 1931.  Fue un político venezolano, directivo empresarial y,  experto petrolero. 

Estudió en la Universidad del Zulia, en el Instituto Politécnico de Londres y en la estadounidense Universidad de Cornell. En ésta última, obtuvo un máster en Relaciones Industriales y Laborales.

Fue director y presidente de diversas empresas como el Hotel Tamanaco, Allied Consulting de Venezuela, Tubos de Acero de Venezuela, S. A. (TAVSA), Seguros Pan American, Naftenos del Caribe, Socomienter y Shell de Venezuela. Además, también ejerció como coordinador del Grupo Shell de Centroamérica, México, Sudamérica y de El Caribe.

Fue miembro de varias Juntas Directivas de empresas privadas y Asesor Gerencial de empresas venezolanas y extranjeras; sin embargo, su puesto más destacado fue como miembro de la junta directiva de la empresa estatal Petróleos de Venezuela, la más importante del país y una de las mayores del mundo. Fue nombrado presidente de dos de su empresas filiales; en el año 1976 Maraven y en 1984, Lagoven.

Entre febrero de 1985 y diciembre de 1987 fue director del periódico El Nacional, donde también fue columnista, llegando a ganar fama entre sus lectores. Durante 1988 dirigió El Diario de Caracas.

En 1992, fue designado presidente de la Comisión Reestructuradora de la empresa suministradora de agua Hidrocapital y comisionado del Presidente de la República para el seguimiento del Gasto Público. Asesor (ad honorem) del Ministerio de Energía y Minas de 1996 a 1998.

Desde la ascensión al poder del presidente Hugo Chávez, ingresó en política, siendo un fuerte opositor junto con otros "expetroleros", como José Toro Hardy o Luis Giusti, llegando a dirigir la Coordinadora Democrática creada en 2004 y desaparecida dos años más tarde.
falleció en la ciudad de Caracas el 14 de enero de 2015. PAZ A SUS RESTOS.
Fuente:Wikipedia® es  Fundación Wikimedia, Inc.,

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viernes, 29 de mayo de 2015

LUISA PALACIOS

        LUISA PALACIOS


Luisa Palacios o la Nena Palacios nace en en la ciudad de Caracas, Estados Unidos de Venezuela, el 10 de mayo de 1923 y fallece el 16 de septiembre de 1990. Sus padres fueron: Óscar Zuloaga y Luisa de las Casas.

Fue una artista gráfica, pintora y ceramista, cuyos aportes en el campo de grabados fueron fundamentales para el desarrollo de esta técnica en Venezuela. En torno a su lugar de trabajo (conocido entre los artistas de la época como El Taller) reunió a un grupo de intelectuales y artistas de vanguardia que experimentaban con las técnicas del grabado e impresión.

Fundadora del Centro de Artes Gráficas (Cegra, 1975) y del Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA, 1978). Palacios recibió numerosos premios, entre los que se encuentran el Premio Nacional de Artes Aplicadas del XXI Salón Oficial de Arte Anual (Caracas, Venezuela, 1960) y el Premio Nacional de Dibujo y Grabado XXIV del Salón Oficial de Arte Anual (Caracas, Venezuela, 1963).

Entre 1936 y 1939 toma clases de pintura con el naturalista francés René Lichy. En 1938 ingresa a la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas (Caracas), con un permiso especial del director de la Escuela Antonio Edmundo Monsanto. Entre sus maestros se encontraban los pintores Pedro Ángel González y Marcos Castillo. Para la joven Luisa Palacios fue de gran importancia la influencia de sus tías Elisa Elvira Zuloaga (pionera de la pintura moderna y el grabado en Venezuela), María Luisa Zuloaga de Tovar (ceramista) y Carmen Elena de las Casas (decoradora).

A los 21 años se casa con Gonzalo Palacios Herrera y por un período abandona la pintura. Durante esta etapa en la que la vida de la artista se vuelca al hogar, nacen sus dos hijas, María Fernanda Palacios(quien posteriormente se destacaría en la literatura) e Isabel Palacios (quien se destacará a su vez en la música). Su esposo Gonzalo era una persona de gran sensibilidad artística y se dedicaría a la cerámica, junto a su esposa, en el taller Otepal, fundado por ambos en 1957 junto a Amalia Oteyza.

Luisa Palacios se encuentra con el grabado en España, cuando en 1954 conoce la obra gráfica de Francisco de Goya. En 1956 recibe clases del pintor Abel Vallmitjana, quien la inicia en la impresión de monotipos con láminas de linóleo.

El taller Otepal se muda a la casa de los Palacio, y comienza a ser conocido simplemente como El Taller. Allí se trabajaba la cerámica, la pintura y, a partir de 1960, el grabado, cuando su tía Carmen Elena de las Casas le envía una prensa Le Franc de París. El Taller se transforma en el sitio de tertulia de los intelectuales de la época. Asistían artistas de vanguardia como Alejandro Otero, Mercedes Pardo, Humberto Jaimes Sánchez, Ángel Hurtado, Gego, Gerd Leuferd, Ángel Luque, Antonio Granados Valdés, Maruja Rolando, entre otros.

Luisa Palacios empieza a experimentar con el grabado, logrando piezas con una gran influencia informalista. Estudia el método Hayter y posteriormente experimenta con los ácidos y la técnica del agua de azúcar. El rol de los artistas Gerd Leufert y Gego en su aprendizaje del grabado es mencionado en la siguiente referencia: "Leufert entrega a la Nena sus apuntes de cuando estudió grabado en Alemania, y durante varios meses ambos (Leufert y Gego) asisten en la organización de El Taller y orientan sus primeros pasos en el grabado: el punto justo de los barnices, cómo lograr la densidad apropiada de las tintas, cuáles son los tiempos de los ácidos para morder el metal".

Es notable su participación en los inicios de los llamados bellos libros o libros de artista en Venezuela. Ilustra un libro de poemas de Miguel Otero Silva, Elegía Coral a Andrés Eloy Blanco, con diez aguafuertes (1961, solo se realizaron dos ejemplares). Otros libros de artista fueron: Elegía sin fin, de Luis Pastori (1962), Me llamo barro, de Miguel Hernández (1964), Humilis Herba, de Anibal Nazoa (1967, junto a grabados de Alejandro Otero y Humberto Jaimes Sánchez), La rosa del herbolario, de Pablo Neruda (1969),Los pájaros fornican en la catedral, de David Gutiérrez (1971).

Su actividad docente fue de gran importancia. Desde 1965 dio clases en el Instituto Neumann, donde se inició en la cátedra de Medios de Impresión. En 1975 funda en Centro de Enseñanza Gráfica (Cegra) junto a Manuel Espinoza y Édgar Sánchez. En 1976 crea el Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) junto a, José Guillermo Castillo, Édgar Sánchez, Alejandro Otero, Gerd Leufert, Pedro Ángel González, Alirio Palacios, Ricardo Benaím y Antonio Granados Valdés, quienes firman el acta constitutiva.

El Taga, que funcionó desde un principio y hasta la actualidad, en la sede original de El Taller, inicia sus operaciones en 1980. El Taga se transformó en una referencia para el estudio, la investigación y la difusión de la gráfica en Venezuela y lo dirigió durante 10 años. Luisa Palacios muere en Caracas, Venezuela, el 16 de septiembre de 1990.
                        
                    Exposiciones individuales

  • 1964: "Luisa Palacios: grabados 1960-1964", Sala Mendoza, Caracas.
  • 1966: Sala Mendoza, Caracas.
  • 1967: "Grabados", Galería XX2, Caracas.
  • 1968: "Pinturas", Galería Acquavella, Caracas.
  • 1969: Galería Estudio Actual, Caracas.
  • 1970: "Pinturas", Galería Acquavella, Caracas.
  • 1971: "Estampas de Luisa Palacios", Galería Arte Grabado, Caracas.
  • 1972: "Los burgueses de Calais", La Librería, Sala Mendoza, Caracas.
  • 1973: "Pinturas", Galería Acquavella, Caracas.
  • 1974: "Retrospectiva de grabado. 1964-1974", Museo Nacional del Grabado, San Juan de Puerto Rico.
  • 1974: "Una década de trabajo. 1964-1974", Sala Mendoza, Caracas.
  • 1976: "Negro sobre blanco". Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
  • 1978: Sala Mendoza, Caracas.
  • 1978: "Pinturas", Galería Acquavella, Caracas.
  • 1979: "Testimonio gráfico", Galería Municipal de Arte de Barcelona, Estado Anzoátegui, Venezuela.
  • 1980: "Pinturas y pasteles", Galería Braulio Salazar, Valencia, Estado Carabobo, Venezuela.
  • 1980: "Óleos, pasteles, acuarelas", Galería La Pirámide, Caracas.
  • 1981: Galería Julio Arraga, Maracaibo, Estado Zulia, Venezuela.
  • 1990: "Luisa Palacios: un homenaje", Sala Mendoza, Caracas.
  • 1991: "Luisa Palacios, maestra de tintas", Galería de Arte Nacional, Caracas.
  • 1991: "Luisa Palacios, El Taller y la invención del TAGA", Biblioteca Nacional, Caracas.
  • 1991: "Retrospectiva", Museo de las Américas, OEA, Washington.
  • 1996: "Luisa Palacios, obra gráfica. Colección GAN", Unimet, Caracas.
  • 1999: "El triunfo de la perseverancia. La obra gráfica de Luisa Palacios", Museo de la Estampa y el Diseño Cruz Diez, Caracas.
  • 2002: "El triunfo de la perseverancia. La obra gráfica de Luisa Palacios", Sala SIDOR, Puerto Ordaz, Estado Bolívar, Venezuela.
  • 2011: "Legado. Luisa Palacios", Sala TAC, Caracas.
                                                    Reconocimientos

  • Primer Premio, XI Salón Planchart (Caracas, Venezuela, 1958)
  • Premio Andrés Pérez Mujica, XVI Salón Arturo Michelena (Valencia, Estado Carabobo, Venezuela, 1958)
  • Premio Emilio Boggio, XVII Salón Arturo Michelena (Valencia, Estado Carabobo, Venezuela, 1959)
  • Premio Nacional de Artes Aplicadas, XXI Salón Oficial de Arte Anual (Caracas, Venezuela, 1960)
  • Primer Premio Dirección de Cultura de la UCV, III Exposición Nacional de Dibujo y Grabado FAU UCV (Caracas, Venezuela, 1961)
  • Premio Nacional de Dibujo y Grabado XXIV Salón Oficial de Arte Anual (Caracas, Venezuela, 1963)
  • Premio Fundación Eugenio Mendoza FAU UCV (Caracas, Venezuela, 1963)
  • Premio Emilio Boggio, XXII Salón Arturo Michelena (Valencia, Estado Carabobo, Venezuela, 1964)
  • Premio Dirección de Cultura FAU UCV (Caracas, 1964)
  • Quinto Premio, mención grabado, I Bienal Latinoamericana de Dibujo y Grabado FAU UCV (Caracas, 1967) fuente:wikipedia.org.
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OMAR CARREÑO


       OMAR CARREÑO

Pintor y escultor. Hijo del orfebre Daniel Carreño y de Antonia María Rodríguez. Nació en la ciudad de Porlamar, Nueva Esparta, el 07 de febrero de 1.927, Estados Unidos de Venezuela. 

Entre 1948 y 1950 estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas. En este período su obra tiene como referencia la pintura precolombina y la figuración geométrica. 

En 1950, ya en París, formó parte del grupo Los Disidentes y colaboró en las actividades del Taller Libre de Arte de Caracas.  Carreño se adhirió a las tendencias abstraccionistas de la época. Tempranamente comienza a realizar sus primeros relieves transformables por el espectador mediante un sistema de bisagras; Pierre Descargues los llamó Polípticos y Carreño los presentó en la Galería Arnaud en 1952, año y medio antes que Yaacov Agam presentara obras con propuestas parecidas en la Galería Craven, en 1953. 

Uno de estos polípticos fue reproducido en el catálogo del VI Salon des Réalités Nouvelles (París, 1951). Realiza estudios de grabado en la Escuela Superior de Bellas Artes y en la Escuela del Louvre. En 1952 participó en la "Primera muestra de arte abstracto", en la Galería Cuatro Muros de Caracas. Ese mismo año expuso junto a Édgar Negret en la colectiva "Grupo divergencias: 13 pintores, 4 escultores" (Galería de Babylone, París). Al año siguiente publica "Idées de l'artiste" (Cimaise, 4-5, París, julio 1953), texto que será llamado premanifiesto en el artículo del Diablo Cojuelo (Antonio Muiño) titulado "El expansionismo, último 'ismo' inventado en París por Omar Carreño, pintor abstracto" (El Nacional, 31 de diciembre, 1953). 

En 1953 realiza esculturas-poemas y sus primeros Ojos de buey (tableaux-objets), algunos de ellos transformables. Como único latinoamericano participa en la exposición "La síntesis de las artes", en el IX CIAM, organizado por Le Corbusier, en Aix-en-Provence. En 1955 regresa a Venezuela y realiza las primeras esculturas en metal y pintura con laca. Ese mismo año concluye una escultura abstracta en hierro y cobre para el hall de entrada del Hotel El Conde, en Caracas. 

Fue director artístico de la revista Integral de Caracas (1956-1958), ha colaborado igualmente en las revistas Cimaise de París, Nuestro Tiempo de Buenos Aires, Cruz del Sur de Caracas y Arte y Sociedad de Roma. En 1956 convoca las primeras reuniones para la formación del movimiento expansionista, las cuales prosperan al año siguiente, y escribe "Límite y expansión del espacio" (Integral, 4. Caracas, junio de 1956).

En el XVIII Salón Oficial de 1957 recibe el Premio Puebla de Bolívar, por su escultura en hierro Estable nº 1, primera escultura abstracta premiada en Venezuela. Ese mismo año ejecuta una escultura móvil de hierro de 10 m de alto, para la Plaza Municipal de Pariata; las aspas de la estructura giraban impulsadas por el viento. Realiza la policromía interior y exterior, con un mural en la parte externa del auditorio de la Facultad de Odontología de la UCV, único edificio encargado totalmente a un artista por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva, en el proyecto de integración de las artes de la Ciudad Universitaria de Caracas. 

En 1958 fue nombrado comisario por Venezuela y jurado del Gran Premio en la Bienal Internacional de Venecia. Escribe "Arte y técnica de expresión", texto fundamental para comprender su obra (El Nacional, 28 de enero de 1960).

Desde 1960 hasta 1963 se radica en París, recibe clases de René Huyghe en La Sorbona y de Pierre Francastel en la Escuela del Louvre (historia del arte y museología). A partir de este momento aborda el informalismo abstracto, etapa en la que tendrá reminiscencias de fondos marinos y que concluirá a finales de 1965. En 1962 participa con obras informalistas en "El arte latinoamericano en París" del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, obras que adquieren el escritor Romain Gary y la actriz Jean Seberg. En 1965 viaja a Roma, concluyendo su etapa informal con la llamada serie de las Tintas únicas, e inicia sus estudios de conservación y restauración de bienes culturales en el ICCROM de la UNESCO.

En 1966 regresa a la abstracción geométrica y realiza transformables con cubos. En esa oportunidad Luigi Paolo Finizio, en el catálogo de la muestra, afirmaba: "si consideramos las fechas en las cuales estas obras fueron realizadas, no podemos dejar de reconocer a Carreño el haberse anticipado plenamente a ciertas corrientes sobre la interacción del signo". Publica en francés el Primer manifiesto expansionista, al inaugurarse en la Galería Fiamma Vigo (Roma, 1966) una exposición individual. A finales de 1966 regresa a Venezuela, ingresando al cuerpo docente de la Escuela Cristóbal Rojas (1967-1979). Comienza a promover sus ideas del expansionismo en conferencias y exposiciones. 

En 1967 tuvo lugar la "Primera exposición expansionista" en el MBA y publica en el catálogo-afiche una versión abreviada del Primer manifiesto expansionista entre cuyos puntos estaban la ruptura total con la pintura de dimensiones reales, la creación de obras no figurativas transformables, la intervención activa del espectador en la transformación de la obra y el empleo de nuevos materiales. Carreño mismo trabaja en obras transformables por cubos, reflejos sobre metal, proyecciones virtuales transformables por varios espectadores y termina incorporando elementos tecnológicos como luz artificial y micromotores. 

Su Segundo manifiesto expansionista, aparece en el catálogo-afiche de la segunda exposición del grupo expansionista ("Luz y transformación", 1967) en el Ateneo de Caracas. En esa misma época se inicia su serie de Cajas luminosas transformables, una de las cuales expone en el XXIX Salón Oficial de 1968 (actualmente en la colección GAN, junto con otras obras pertenecientes a diferentes períodos). 

Publica el Tercer manifiesto expansionista en francés con motivo de su exposición en la Galería Número (Venecia), visitada por Frank Popper, quien incluye el nombre de Carreño en la segunda edición de su libro L'art cinétique (París: Gauthier-Villars, 1970). Una de sus cajas luminosas entra en la colección del Museo de Macerata (Italia). Realiza in situ las obras destinadas a su participación en el Pabellón de Venezuela de la XXXVI Bienal de Venecia (1972); la obra de la sala principal fue un mural de luces transformables y envolventes de 23 m de largo. Ese año recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. 

Alfredo Boulton, al referirse a su trabajo, expresó: "su obra [...] tomó un nuevo rumbo y entró de pleno en una etapa cinética en que se valió de nuevos y exóticos instrumentos a la manera de utensilios plásticos. Se le vio emplear entonces extraños mecanismos eléctricos, materiales de refracción lumínica, tiras de hojas transparentes, luz de neón como elemento de color; accesorios éstos que no había manejado con anterioridad. El propósito del artista consistía en dar movilidad a un juego cromático, accionando en forma de movimiento constante y transformable, que cambiara el cuerpo de la composición y el diseño de las formas, para llegar a realizar una imagen mutable, en constante giro, que alterase, variara y se modificara, construyendo nuevas situaciones y nuevas tonalidades, a medida que la gestión cinética iba en curso, impulsada por el giro mecánico del objeto.

Estas 'imágenes transformables' son, fuera de duda alguna, las que expresan la mejor parte de la sensibilidad del artista" (1972, p. 449). En 1973 recibe el premio principal del XXXI Salón Arturo Michelena por su obra Transformable I. En 1974 participa en el Festival de la Peinture, de Cagnes-sur-Mer. Al año siguiente participa en la exposición preinaugural del ala nueva del MBA y en "The Venezuelan Culture at the University of Nebraska" (Lincoln, Nebraska, Estados Unidos). Colabora con el arquitecto Carlos Celis Cepero y el grupo Ca-tekto en el proyecto artístico del Helicoide, y realiza una exposición antológica en la Galería Marcon IV, Roma, 1976.

Manuel de Pedro lo incluye en su película Arte constructivo en Venezuela 1945-1965, con guión de Bélgica Rodríguez. Uno de los acontecimientos más resaltantes en la vida artística de Carreño fue su gran exposición antológica en el Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid, 1983), que incluyó 96 obras y fue montada en el MBA un año después. En aquella oportunidad, en Madrid, la crítica especializada le calificó como "el más latinoamericano de los pintores abstractos".

En 1985 se radica en París por cinco meses e inicia una etapa de síntesis abstracto-figurativa, centrada en el tema de los barcos, que durará hasta 1992. En 1991, obtuvo el título de arquitecto en la UCV. Siguiendo la huella de los años cincuenta explora un aspecto no desarrollado suficientemente de la organización de verticales y horizontales trabajadas como piezas o legos, sobre el mundo de la abstracción. La GAN posee una importante representación de su obra, entre ellas, piezas tempranas como Tríptico A (1951, esmalte sobre madera) y Composición geométrica (1959, laca sobre madera). Su papel como pionero de la abstracción geométrica no ha sido suficientemente subrayado por la crítica. 

Manuel Quintana Castillo precisó: "Omar Carreño es el clásico de los abstractos venezolanos: él ha sido para el abstraccionismo local lo que Juan Gris fue para el cubismo en su momento". Por su parte, Roberto Guevara ha concluido que sus imágenes "no sólo son transformables, sino que se convierten en el curioso ámbito de continuidad real-virtual, en sucesos de un espacio indeterminado. A tal punto se implican y confunden los planes reales y los resultados de reflejos y cambios internos. De una serie de colores y formas a otra, la profundidad se manifiesta también como negación de las dimensiones lógicas. Son imágenes remitentes, que pasan de un señalamiento espacial a otro. Que se refieren entre sí negando, por así decirlo, la realidad física de una realidad visual de las apariencias" (1981, p. 25).

Obra  "Pintura"

Posinga. 1957. Laca sobre madera. 100 X 100 cm. colección mercantil, Caracas.

Sin título. 1957. Laca sobe madera. 50 x 50 cm. Colección mercantil Caracas.

Sin titulo. 1957. Laca sobre madera. 100 x 100 cm. Colección mercantil, Caracas.

Tablón n2. 1957. 39 x 39 cm.

Composición B-5. 1978. Acrílico sobre tela. 127 x 127 cm. Colección Petróleos de 
Venezuela, S.A. Caracas.

Diptico 1. 1981. Acrílico sobre tela. 171 x 248 cm. Colección Galería Durban.

Mural tridimensional. 1983.

Cruce, serie relieve. 1993. Acrílico sobre madera. 100 X 100 cm. Colección particular.

Rihua 4. 1993. Acrílico sobre madera. 120 x 70 cm. Colección Galería Durban Caracas.

Ruha 1. 1993. Acrílico sobre madera. 120 x 170 cm. Colección del artista

Pintura 9. 1994. Acrílico sobre madera. 120 x 170 cm. Colección del artista.

Ruha 8. 1994. Acrílico sobre madera. 120 x 170 cm. Colección Galería Durban Caracas.

Nautica. 2001. Acrílico sobre madera. 100 X 100. Colección particular.

Lumiere selene. 2002. Acrílico sobre madera. 100 X 100 cm. Colección del artista.

Con seis rojos. 2005. Acrílico sobre madera. 100x100 cm. Colección Galería Arte Diez, Caracas

Helena 3. 2005. Acrílico y madera. 50 X 50 cm.

1950 Taller Libre de Arte, Caracas

1952 Galería Arnaud, París

1953 Librería Arnaud, París

1954 Galería L'Entracte, Lausana, Suiza / Galería Suzanne Michel, París

1955 "Antológica abstracta, 1950-1955", Sociedad Venezolana de Arquitectos, Caracas

1956 Subcomisión de Urbanismo, Maracaibo

1957 "Pinturas recientes", MBA / "Collages", Librería Cruz del Sur, Caracas

1961 Galería L'Entracte, Lausana, Suiza

1964 "Bajo la quilla", Galería G, Caracas

1965 "Bajo la quilla", Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "El Nereida", MBA

1966 "Obras transformables", Galería Número, Florencia, Italia / "Obras transformables", Galería Fiamma Vigo, Roma

1967 "Obras transformables, 1966-1967", Sala Mendoza

1968 "Obras recientes", Galería Caracas, Caracas / "Obras transformables", Galería Número, Venecia / Galería Banap, Caracas

1969 Galería Estudio Actual, Caracas / Museo de Macerata, Italia

1971 "Imágenes transformables 1969-1971", Galería Estudio Actual, C 1973 "Imágenes transformables y espacios reminentes", Museo Soto

1974 Centro de Bellas Artes, Maracaibo / "Retrospectiva 1950-1974", MBA

1976 Galería Marcon IV, Roma / Galería Gaudí, Maracaibo / Concejo Municipal, San Juan Bautista, Edo. Nueva Esparta

1977 Galería Número, Venecia / Galería Fiamma Vigo, Roma

1979 "Luz y color en el plano", Centro de Arte Euroamericano, Caracas / "Luz, color y movimiento, el espacio", Galería Graphic/CB2, Caracas / Instituto Zuliano de la Cultura, Maracaibo

1980 Galería L'Indicatore, Roma / Galería La Sfinge, Formia, Italia / "La etapa figurativa de Omar Carreño", 


Museo Emilio Boggio

1981 "Pinturas recientes", Galería Durban, Caracas

1983 Museo Antonio José de Sucre Gran Mariscal de Ayacucho, Cumaná / "Omar Carreño. Exposición antológica 1950-1983", Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid

1984 "Exposición antológica, 1950-1983", MBA / "Exposición antológica, 1949-1981", Museo Francisco Narváez

1985 "Obra inédita", Galería Durban, Caracas / Galería El Galpón, Porlamar, Edo. Nueva Esparta

1987 "Si todos los barcos del mundo", Galería Durban, Caracas

1989 "Todas las presencias", Galería Durban, Caracas / "Del tiempo y del mar", Galería El Mundo del Arte, Maracaibo

1991 Sala Altarriba Art, Barcelona, España / Centro Cultural Altarriba, Vich, España

1994 "Vuelta sobre los pasos: relieves, 1992-1994", Galería Durban, Caracas

1996 "Obras recientes: relieves, 1996", Fundación Cultural Arismendi, La Asunción

1997 "Relieves recientes", Galería Municipal de Arte, Puerto La Cruz / Galería Graphic/CB2, Caracas / "Antológica 1950-1997", Salón Miranda, 


Comandancia General de la Aviación, Caracas

1998 "Relieves", Museo de Arte José Lorenzo de Alvarado, Tovar, Edo. Mérida

2000 "Los placeres de la forma y el color", Sala Pequiven, Caracas

2001 "Relieves recientes", Galería Dimaca, Caracas

2002 "Doble registro", Templarios Galería Taller, Caracas

Premios

1950 Premio para estudiantes de artes plásticas, XI Salón Oficial

1957 Premio Puebla de Bolívar, XVIII Salón Oficial

1958 Premio Cuatricentenario, Salón del Ateneo de Valera, Edo. Trujillo

1959 Premio Energía Eléctrica de Venezuela, VI Salón D'Empaire

1972 Premio Nacional de Artes Plásticas, Caracas

1973 Premio Arturo Michelena, XXXI Salón Arturo Michelena


Colecciones


Ateneo de Valencia, Edo. Carabobo / BCV / Colección Cisneros, Caracas / Conac / Facultad de Odontología, UCV / Fundación Neumann, Caracas / Fundación Noa Noa, Caracas / Galería Municipal de Arte de Puerto La Cruz / GAN / Gobernación del Estado Nueva Esparta, La Asunción / Hotel El Conde, Caracas / Instituto Autónomo Aeropuerto de Maiquetía, Edo. Vargas / MACCSI / Mamja / MBA / ME / Museo de Anzoátegui, Barcelona, Edo. Anzoátegui / Museo de Arte Moderno, Sofía / Museo de Macerata, Italia / Museo Francisco Narváez / Museo Soto / Residencia Presidencial La Casona, Caracas


Fuentes

Boulton, Alfredo. Historia de la pintura en Venezuela, III. Caracas: Armitano, 1972. Segunda edición en Caracas: Armitano, 1975.
Cinap, C 18.

Guevara, Roberto. Ver todos los días. Caracas: Monte Ávila-GAN, 1981.

Quintana Castillo, Manuel. [Presentación]. En: Omar Carreño. Obras transformables, 1966-1967 (catálogo de exposición). Caracas: Fundación Mendoza, 1967.
www.wikistoria-delartevenezolano.Créditos: GAN

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